La pittura folcloristica ucraina emerge nelle opere di Marianna Mackanych

Marianna Mackanych descrive il Petrykivka come molto più di un semplice motivo decorativo; per lei è una visione del mondo espressa attraverso ritmo, movimento e respiro.

Mackanych ispirata dalla sua eredità ucraina, è infatti originaria di Odesa anche se ora è residente a Pittsburgh, crea opere d'arte folcloristica nello stile tradizionale Petrykivka.
Nata nel XVII secolo questo tipo di pittura prende il nome dall'omonima città sulle rive del Dnipro ed è divenuta sempre più popolare fino a rappresentare uno dei simboli culturali dell'Ucraina. Nel 2013 è stata dichiarata Patrimonio Culturale Immateriale Mondiale dell'Umanità dall'UNESCO.

Le opere di Marianna Mackanych, ammirabili anche sul suo profilo Instagram, si caratterizzano per ampie pennellate e colori brillanti, raffigurando fiori che simboleggiano bellezza, rinnovamento e resilienza.

Con la sua arte, spera di condividere la bellezza e la profondità della cultura ucraina con un pubblico più ampio e di contribuire alla sua preservazione per le generazioni future. Inoltre parte del ricavato di ogni vendita viene donata per sostenere i bambini in Ucraina che hanno perso case e genitori a causa dell'invasione russa.

Il folklore fiabesco nelle opere di Matt Roussel

Le opere di Matt Roussel, che abbiamo già precedentemente conosciuto qui sul blog, invita il pubblico a esplorare mondi incantati, creando un legame profondo e unico tra l'artista e chiunque si innamori delle sue creazioni. Ogni pezzo è un momento magico di connessione, un incontro tra sensibilità che trascende la conoscenza reciproca.

Roussel crea opere straordinarie che spaziano da incisioni su legno a sculture e dipinti incisi, tutti caratterizzati da un'atmosfera da favola, come si può ammirare dal suo profilo Instagram. Nel 2015, durante un viaggio in Mongolia, Roussel ha avuto una rivelazione cruciale: non voleva più lavorare come illustratore 3D. Questa decisione ha segnato l'inizio della sua pratica artistica multidisciplinare, che unisce diverse tecniche e materiali.

Come racconta in questa intervista su MyModernMet, Roussel dopo aver iniziato a dedicarsi all'incisione su legno ha sviluppato uno stile ricco di creature insolite e composizioni giocose, arricchite da linee illustrative ben definite. La sua passione per il raku giapponese lo ha portato a integrare sculture espressive, creando un connubio affascinante tra diverse forme d'arte. Le sue opere sono caratterizzate da superfici materiche, dove i colori traslucidi si intrecciano in un gioco visivo incantevole.

Da sempre ha amato le storie e desiderava illustrare racconti per bambini. Questo amore per la narrazione visiva è evidente in ogni sua creazione, dove l'immaginazione gioca un ruolo fondamentale. I temi delle sue opere attingono a leggende e folklore, rendendo ogni pezzo un viaggio in un regno fantastico.

Georgia O'Keeffe e l'arte di osservare di più e preoccuparsi di meno

Georgia O'Keeffe è una figura centrale nel panorama dell'arte moderna americana che ha rivoluzionato il modo di percepire la natura e l'arte stessa.
Sentendosi disconnessa dalle convenzioni artistiche classiche, ha iniziato a sperimentare con disegni astratti che sfidavano le facili classificazioni.
Attraverso le forme e i ritmi della natura, O'Keeffe ha catturato il suo mondo interiore, dando vita a un movimento che ha tuttora un impatto sulla scena artistica.

Il modernismo americano, proprio come il suo lato europeo, ha una tendenza all'astrazione, è innovativo, e autoreferenziale. Reagisce contro lo storicismo, le convenzioni artistiche e l'istituzionalizzazione dell'arte. Secondo il modernismo l'arte doveva uscire dalle accademie, dai teatri e dalle sale da concerto per essere accessibile a tutti e inclusa nella vita quotidiana.

Come racconta Iseult Gillespie, su TED-Ed, O'Keeffe nutriva un amore per la vita solitaria. Immersa nella bellezza del deserto del New Mexico e lontata dall'atmosfera caotica di New York ha trovato ispirazione nelle piccole cose della natura e nella sua ricca tavolozza di colori. La sua capacità di osservare i dettagli e il suo amore per il colore hanno alimentato la sua creatività fino alla sua morte nel 1986, all'età di 98 anni.

O'Keeffe una volta affermò: "Ho scoperto che potevo dire cose con il colore e le forme che non potevo esprimere in nessun altro modo."
Questa ricerca di espressione attraverso l'arte è quello che rende il suo lavoro così potente. La sua riflessione sul dipingere fiori grandi per costringere le persone a prendersi il tempo di osservare è un invito a prendersi il proprio tempo e apprezzare la bellezza del mondo che ci circonda.

Ritratti seducenti su blocchi di legno di Matt Roussel

L'artista francese Matt Roussel è un appassionato incisore con un amore per la sperimentazione, brama costantemente nuove sfide.

Nella sua serie di blocchi di legno dipinti, l'artista inizia con un blocco di stampa tradizionale e ritaglia lo spazio negativo, ma anziché applicare l'inchiostro e trasferire l'immagine sulla carta, trasforma un elemento del processo nell'opera d'arte stessa.

Mentre Roussel scolpisce ogni pezzo, le sgorbie rivelano una consistenza intrigante. Nelle sue nuove opere, i volti dei soggetti sono lisci, intensi e si basano solo sulla pittura, mentre le scanalature sono riservate a fiori enormi, indumenti ornati e ambienti sognanti.
E ironicamente afferma: "Volevo mettermi alla prova della pittura. Mi annoio rapidamente quando faccio le stesse cose".

L'ispirazione per i suoi soggetti inizia con una serie di richieste che collega a uno strumento di intelligenza artificiale, generando arrangiamenti e schemi.

A questo proposito spiega: "Per me, è una base di lavoro che mi permette di fare a mano ciò che vedo... Questo è un nuovo strumento che mi aiuta, come il computer, quando ho iniziato a lavorare col 3D negli anni '90". Ogni pezzo richiede da tre a sei giorni per essere completato, a seconda delle dimensioni".

Roussel crea regolarmente stampe alcune delle quali sono disponibili nel suo negozio.
Il prossimo autunno, esporrà in una serie di mostre d'arte, tra le quali la Affordable Art Fair Singapore.
Potere vedere molto altro di questo bravo artista visitando il suo sito web e la sua pagina Instagram.

I capolavori di ricamo minimalista e colorato di MK

Durante la fase più acuta della pandemia di COVID-19, MK ha deciso di seguire il suo sogno di diventare un'artista a tempo pieno.
Unendo la pittura acrilica e il ricamo a mano, ha creato paesaggi vibranti e unici nel suo stile minimale che lasciano nell'osservatore vivide sensazioni e rimandano a ricordi persi nel tempo.

Nonostante la sua paura dell'acqua, le opere d'arte di MK spesso ruotano spesso attorno a temi lacustri e oceanici, che riflettono la sua fascinazione per la bellezza di queste scene serene.
Ogni opera è frutto di un lavoro d'amore, che richiede dalle 4 alle 48 ore per essere completata, a seconda delle dimensioni e della complessità.

Il suo processo creativo è iniziato con la ricerca di progetti più piccoli che potessero essere realizzati a casa, portandola a scoprire la mescolanza affascinante del ricamo e della pittura acrilica.

La sua passione per questa forma d'arte è diventata anche un'attività terapeutica. MK soffre infatti di uno stress post-traumatico e di un disturbo dello spettro autistico, e proprio grazie alle sue opere è riuscita a elaborare ed esprimere i suoi pensieri.

Attraverso le sue scene colorate, MK vuole portare gioia e allegria anche agli altri. La sua arte è pensata per essere una fonte di felicità, sorrisi e sicurezza.

Abiti splendidi come opere d'arte di Sylvie Facon

La pittrice, stilista e creatrice francese Sylvie Facon realizza abiti da sogno che sembrano usciti da una fiaba. Utilizzando la pittura, la tessitura e il ricamo, ogni singolo capo diventa un'opera d'arte unica nel suo genere.

L'artista dedica molte ore alla realizzazione di questi abiti magici, poiché deve usare le sue abilità per decorare tessuti delicati come tulle e seta con le sue illustrazioni.

Ad esempio, su uno dei suoi abiti un giardino di fiori viola cresce dal corpetto, sbocciando sulle spalline che mantengono l'abito in posizione. Un altro abito presenta un dipinto di un luogo incantevole, che diventa tridimensionale grazie alle cuciture e alle perline.

La maggior parte delle decorazioni più dettagliate dei suoi abiti sono collocate sul corpetto, ma la Facon cerca sempre di collegare l'arte rappresentata anche nella gonna.

Ciò significa spesso abbinare i colori, creando una transizione piacevole da una sezione all'altra.

Questo si può vedere nei suoi abiti ispirati ai libri dove sembra che la modella sia avvolta da una biblioteca, infatti la Facon divide abilmente la gonna in pannelli e ciascuno viene decorato in modo tale da sembrare il dorso di un libro.

Sul sito web di Sylvie Facon si possono ammirare molti altri abiti creati da questa eccellente artista e volendo anche acquistarli, inoltre è interessante scoprire le sue ultime creazioni seguendola sulla sua pagina Instagram.

Scatole e portagioielli racchiudono narrazioni elaborate di nostalgia e identità di Curtis Talwst Santiago

All'interno di piccoli portagioielli o graziose scatole, l'artista canadese-trinidadiano Curtis Talwst Santiago annida scene in miniatura intrise di intimità, e memoria.

I diorami elaborati fanno parte della serie Infinity iniziata nel 2008 e da allora ampliata per includere dozzine di pezzi ricchi di fogliame lussureggiante, caratteristiche architettoniche e minuscole figure conservate nel tempo.

Negli ultimi anni l'artista, nelle sue creazioni, ha fatto riferimento all'infanzia e alla sua vita familiare nelle opere a tecnica mista,

dove è inclusa anche la collezione "Soca in the Suburbs" che incorpora repliche del seminterrato dove abitavano i suoi genitori, completa di moquette a pelo lungo e un'estetica distintamente riconoscibile degli anni '70.

Questi ambienti riflettono sulla necessità di incontri privati e sull'importanza di condividere le storie attraverso le generazioni.
E l'artista spiega: "L'dea di "Soca in the Suburbs", è emersa durante il Covid con la chiusura dei locali, i balli in casa e con le discoteche in quarantena. Ho iniziato a pensare ai membri della famiglia che non riuscivo a vedere, e le feste della mia memoria… Inoltre sto anche pensando a cosa voglio trasmettere a mio figlio quando le fotografie non riescono a raccontare tutto. Desidero che abbia un archivio della sua storia familiare, del suo patrimonio culturale. Voglio che sappia da dove viene la sua famiglia, non solo gli antenati ma anche i suoi nonni, e vedere i vestiti che indossavano e quelle polaroid che molti caraibici hanno delle loro attività per adulti in tavernetta".

Alcune delle opere di Santiago sono in mostra nell'ambito di Atlantic World Art Fair fino al 5 maggio.

Si possono vedere altre creazioni di Curtis Talwst Santiago, un artista che con la sua tecnica abbraccia pittura, scultura e disegno sul suo sito web e sulla sua pagina Instagram.

Dipinti vibranti della prateria di Jennifer L. Mohr

Jennifer L. Mohr è una pittrice che usa la tecnica mista per creare i suoi dipinti. Non le occorre viaggiare in lungo e in largo per trovare ispirazione, ha solo bisogno di guardare l'ambiente che la circostanda.

Cresciuta e con sede ad Alberta, in Canada, Mohr ha concentrato la sua pratica creativa sul suo legame con i paesaggi della prateria nativa dove ha goduto della sua infanzia.

La serie in corso dell'artista "Belonging to the Land" si concentra sulla sua "connessione luogo-identità" attraverso rappresentazioni espressive di vaste pianure e fiori selvatici in fiore.

L'artista spiega: "Sono cresciuta nella prateria e tutto nella mia pratica creativa riconduce a quelle radici. Da bambina, cresciuta in una fattoria nelle vaste praterie del Saskatchewan, trascorrevo gran parte del mio tempo a vagare all'aperto da sola, tranquilla, attenta e introspettiva. Quei momenti formativi hanno alimentato in me una profonda identità-connessione con il paesaggio e tutto ciò che contiene".

Dopo aver completato il suo BFA in Pittura presso l'Università del Saskatchewan, l'artista si è presa una pausa di quasi 15 anni dal mondo dell'arte, tornando solo nel 2016. Ora, Mohr si sta concentrando sulla cattura della natura in pezzi energici realizzati in acrilico, pastello, acquerello, e altre tecniche.

Appartenenza alla Terra include una serie di "riflessioni da quaderno di schizzi" in cui Mohr sperimenta con tavolozze di colori e mezzi diversi, oltre a grandi dipinti su tela. Questi paesaggi sono spesso caratterizzati da un primo piano esplosivo di erba multicolore, strati di colline e un cielo lontano fatto di toni morbidi e tenui.

Potete ammirare molte altre opere di Jennifer L. Mohr, un'artista che come lei stessa afferma, traduce le sue osservazioni del paesaggio in colori inventivi, segni reattivi ed energia espressiva nel tentativo di ritrarre la magia della reciprocità tra la sua identità, il paesaggio e la sua arte, sul suo sito web e sulle sue pagine Facebook e Instagram. Inoltre è possibile acquistare alcune sue creazioni nel suo negozio.