Natura e simmetria si fondono nei dipinti di Roberta Gentry

"Nine Holly Berries" di Roberta Gentry

Nelle opere di Roberta Gentry il colore non è semplicemente un elemento decorativo, ma diventa una vera esperienza sensoriale. Aranci intensi, blu profondi e tavolozze volutamente limitate costruiscono composizioni astratte nelle quali forme biomorfiche sembrano emergere da una struttura rigorosa. La pittura nasce così dall'incontro fra due impulsi apparentemente opposti: l'ordine geometrico e l'imprevedibilità della natura.

"Two Tails" di Roberta Gentry

Gentry lavora prevalentemente con strati successivi di acrilico diluito, come si può apprezzare sul suo profilo Instagram. Il colore viene accumulato lentamente sulla superficie, creando gradienti delicati e variazioni quasi impercettibili. La griglia sottostante organizza la composizione, mentre le forme organiche sembrano continuamente minacciarne la regolarità. È una tensione che ricorda il modo in cui la natura cresce dentro e intorno alle strutture costruite dall'uomo.

"Ten Oranges" di Roberta Gentry

Questa ricerca trova una particolare espressione nella serie Blood Orange, ispirata anche agli straordinari arazzi fiamminghi cinquecenteschi de La Dame à la licorne. I sei arazzi raffigurano una nobildonna affiancata da un leone e da un unicorno e sono tradizionalmente associati ai cinque sensi, vista, udito, olfatto, gusto e tatto, mentre il sesto, À Mon Seul Désir, rimane volutamente più enigmatico. Proprio questa ambiguità ha alimentato interpretazioni che vanno oltre la semplice allegoria dei sensi.

"The Rose Lattice" di Roberta Gentry

Gentry riprende alcuni elementi riconoscibili degli arazzi, l'abito di velluto, l'organo, gli alberi d'arancio, ma li sottrae alla loro funzione narrativa per trasformarli in forme quasi archetipiche. L'immagine storica diventa così una materia da scomporre e ricomporre, proprio come accade con i ricordi e con i miti.

"The Mirror" di Roberta Gentry

I sensi ci forniscono informazioni sul mondo, ma siamo noi a organizzarle, selezionarle e trasformarle in significato. La pittura di Gentry sembra mettere in scena proprio questo processo, la griglia rappresenta il tentativo umano di dare ordine all'esperienza, mentre le forme organiche ricordano che la realtà sfugge continuamente alle nostre classificazioni.

Art Society di Mitch Wallace quando il collezionismo d'arte diventa un gioco da tavolo

Art Society di Mitch Wallace

Che cosa significa costruire una grande collezione d'arte? Non soltanto possedere opere prestigiose, ma saperle scegliere, valorizzare e soprattutto mettere in relazione tra loro. È proprio questa idea a essere trasformata in meccanica ludica da Art Society, il gioco da tavolo ideato da Mitch Wallace, pubblicato da Mighty Boards e distribuito in Italia da Giochi Uniti.

Il giocatore veste i panni di un collezionista impegnato a creare la quadreria più prestigiosa e armoniosa possibile. Il cuore della partita è un'asta a offerte segrete. Ogni partecipante decide quanto è disposto a spendere per conquistare le opere disponibili, sapendo però che il quadro rimasto escluso finirà nel museo e contribuirà a modificare il valore delle diverse categorie di dipinti. È un meccanismo elegante perché trasforma ogni acquisto in una scelta a doppio rischio, spendere troppo potrebbe compromettere le mosse successive, ma rinunciare all'opera desiderata potrebbe consegnarla proprio all'avversario.

Art Society di Mitch Wallace

Una volta acquistate, le opere devono essere disposte sulla propria parete seguendo precise regole di adiacenza. La disposizione diventa così importante quanto il collezionismo, cornici uguali producono bonus, mentre dipinti dello stesso genere collocati uno accanto all'altro possono annullare il punteggio. La parete si trasforma progressivamente in una sorta di puzzle artistico nel quale ogni nuova tessera condiziona quelle successive. Le tessere aggiungono un ulteriore livello di divertimento in quanto riproducono, in forma ironica e parodistica, celebri opere della storia dell'arte, trasformando il riconoscimento dei riferimenti in una sorta di caccia culturale.

Art Society di Mitch Wallace

Alla fine, la quadreria migliore non sarà necessariamente quella con i dipinti più belli, ma quella in cui estetica e strategia riusciranno a trovare il loro fragile equilibrio.
Art Society ci dimostra che arte e gioco da tavolo possono dialogare sorprendentemente bene perché collezionare, scegliere, accostare e attribuire valore alle immagini sono, in fondo, attività ludiche molto prima di diventare attività economiche o culturali.

Il vetro prende vita sotto le cloche di Amber Cowan

"Swans in Delphite and Rosalene"

Nelle opere di Amber Cowan, il vetro sembra perdere la propria natura rigida e trasformarsi in qualcosa di organico, quasi vivente. Per le sue elaborate composizioni realizzate con la tecnica del flameworking, l'artista statunitense, che abbiamo imparato ad apprezzare in tutti questi anni, compone piccoli universi fantastici nei quali fiori, arabeschi, foglie, animali, filigrane e forme decorative si accumulano fino a creare scenari che sembrano usciti da una fiaba.

"Pheasants in Shell"

Una delle caratteristiche più interessanti del lavoro di Cowan è però la provenienza della materia. L'artista utilizza soprattutto scarti industriali, oggetti antichi, frammenti e vetri fuori produzione. Sono materiali che normalmente appartengono alla categoria degli avanzi, destinati a essere dimenticati o smaltiti. Cowan li recupera invece per trasformarli in qualcosa di completamente nuovo.

"Bunny Resting in Chocolate"

Questa scelta introduce nella sua arte una dimensione quasi archeologica, come racconta Colossal. I colori e le forme che utilizza appartengono spesso a produzioni del passato e non sono più disponibili sul mercato. Ogni frammento porta quindi con sé una piccola storia industriale, è il residuo di un oggetto che un tempo aveva una funzione, un'estetica e un pubblico. Nelle mani dell'artista, quella storia non viene cancellata, ma incorporata in una nuova narrazione.

"Strawberries and Mandarin in Sky"

Il flameworking permette a Cowan di modellare il vetro direttamente alla fiamma, intervenendo con estrema precisione sulla materia. È un processo lento e manuale che richiede controllo, pazienza e una profonda conoscenza delle reazioni del materiale. Gli elementi vengono poi assemblati in composizioni densissime, nelle quali è spesso difficile distinguere il singolo frammento dall'insieme.

"Summer Cloche in Jade"

Recentemente Cowan ha portato questa ricerca anche verso cloche e coupe, contenitori tradizionalmente associati alla conservazione e all'esposizione di oggetti preziosi. Sotto queste campane di vetro le sue composizioni assumono quasi l'aspetto di esemplari da museo o di reliquie provenienti da un mondo immaginario. La cloche diventa contemporaneamente una teca, una protezione e una cornice narrativa. Come si può ammirare sul suo profilo Instagram.

"Bittersweet and Lemon"

C'è dunque qualcosa di profondamente poetico nel lavoro di Amber Cowan, ciò che era stato prodotto in serie e poi scartato viene trasformato in un'opera irripetibile. Un frammento dimenticato può diventare un fiore, un fiore può diventare parte di un giardino impossibile e quel giardino può, a sua volta, diventare il frammento di una storia ancora più grande.

Saya Irie riutilizza gli scarti delle gomme per cancellare per creare spettacolari sculture di uccelli

Nel mondo dell'arte gli strumenti hanno spesso un ruolo silenzioso, il pennello, la matita, il foglio, la gomma per cancellare. Quest'ultima è tradizionalmente associata all'errore, alla correzione, a ciò che deve scomparire. L'artista giapponese Saya Irie ribalta completamente questa prospettiva, trasformando gli scarti della cancellazione nella materia prima delle sue opere. Le minuscole briciole lasciate dalla gomma, normalmente destinate al cestino, diventano così il punto di partenza di un processo creativo che riflette sul rapporto tra memoria, distruzione e rinascita.

La serie Indiana Bird Dust, che si può ammirare anche su Instagram, nasce da un gesto tanto semplice quanto sorprendente. Irie acquista un vecchio libro illustrato dedicato agli uccelli del Midwest americano e, invece di limitarsi a contemplarne le immagini, decide di cancellarle completamente. Le figure bidimensionali scompaiono dalla carta sotto l'azione della gomma, ma la loro "polvere" colorata viene accuratamente raccolta e riutilizzata per ricostruire gli stessi animali sotto forma di minuscole sculture tridimensionali.

Il risultato è un'opera che vive di un affascinante paradosso, per creare è necessario distruggere. Ogni uccello nasce dalla cancellazione della propria immagine originaria, come se il gesto apparentemente irreversibile dell'eliminazione contenesse già il seme di una nuova esistenza. Le sculture riprendono fedelmente colori e caratteristiche degli esemplari illustrati nel libro, ma introducono leggere variazioni: un diverso movimento del corpo, una bacca nel becco, una foglia raccolta durante il volo. Piccoli dettagli che suggeriscono come ogni ricordo, nel momento in cui viene ricostruito, cambi inevitabilmente forma.

Questa riflessione richiama un tema centrale dell'arte contemporanea ovvero il valore della trasformazione. Da Marcel Duchamp agli artisti dell'Arte Povera, fino alle pratiche del riciclo creativo e della sostenibilità, numerosi autori hanno dimostrato che materiali apparentemente privi di valore possono acquisire nuovi significati attraverso il processo artistico. Saya Irie compie un passo ulteriore, perché non recupera semplicemente uno scarto: recupera il residuo di un'immagine cancellata, trasformando la perdita stessa in un atto creativo.

Le sue opere parlano anche del funzionamento della memoria. I ricordi non sono fotografie immutabili, ma immagini che vengono continuamente riscritte ogni volta che le richiamiamo alla mente. Allo stesso modo, gli uccelli di Indiana Bird Dust non sono copie delle illustrazioni originali, bensì nuove interpretazioni nate proprio dalla loro scomparsa. La cancellazione non rappresenta quindi la fine dell'immagine, ma la condizione necessaria affinché possa rinascere in una forma diversa.

Il Long Daylight Pavilion di Olafur Eliasson si ispira alla posizione del Sole durante il solstizio d'estate

L'arte pubblica può trasformare uno spazio urbano in un luogo di contemplazione, di incontro e persino di orientamento. È questa l'idea alla base del Long Daylight Pavilion, l'installazione site-specific realizzata da Olafur Eliasson sul lungomare di Kruunuvuorenranta, a Helsinki. Come molte delle opere dell'artista danese-islandese, il progetto nasce dall'incontro tra fenomeni naturali, percezione umana e architettura, invitando il visitatore a osservare il paesaggio con occhi nuovi.

L'opera si ispira alla posizione del Sole durante il solstizio d'estate, un evento particolarmente significativo alle alte latitudini della Finlandia, dove le giornate sembrano non finire mai. Ventiquattro pali metallici, disposti direttamente sulla roccia del waterfront, descrivono l'arco compiuto dal Sole nel cielo di Helsinki: il palo più basso corrisponde al punto in cui l'astro raggiunge la minima altezza, mentre quello più elevato ne indica lo zenit. Insieme, gli elementi formano un grande anello che funziona come una sorta di "compasso solare", capace di rendere visibile un movimento celeste normalmente percepito solo attraverso il trascorrere del tempo.

Con il calare della sera, l'installazione cambia volto. All'interno dei pali si accendono lanterne caratterizzate da aperture romboidali che proiettano punti di luce, trasformando la struttura in un segno luminoso visibile dal mare e dalla città. A seconda del punto di osservazione, l'opera appare come una sequenza di ellissi luminose oppure come un unico anello sospeso nello spazio, instaurando un dialogo continuo tra prospettiva, luce e paesaggio.

Questo rapporto tra natura e percezione è al centro della ricerca artistica di Olafur Eliasson. Dalle cascate artificiali alle installazioni che utilizzano nebbia, ghiaccio, riflessi e luce, il suo lavoro invita il pubblico a prendere coscienza dei fenomeni naturali e del modo in cui li interpretiamo.

I tessuti come sculture nelle opere di Susan Maddux

"Mantle"

Esistono artisti che dipingono sulla tela, e altri che trasformano la tela stessa nell'opera. È il caso di Susan Maddux che partendo dalla propria esperienza di designer tessile e da una profonda eredità familiare legata all'arte, ha sviluppato un linguaggio espressivo in cui pittura, scultura e tessuto si fondono in un'unica forma. Le sue creazioni sembrano abiti sospesi nel tempo, superfici che abbandonano la bidimensionalità per acquisire volume, ritmo e presenza fisica.

"Flourish"

L'elemento distintivo del suo lavoro è l'uso della tela piegata, ripiegata e modellata fino a creare grandi composizioni astratte che evocano drappeggi, mantelli e antichi kimono. Non si tratta di semplici richiami estetici. Maddux lascia emergere nella materia una memoria culturale che si manifesta attraverso il gesto e la forma. Le pieghe diventano così un linguaggio silenzioso, capace di raccontare il rapporto tra identità, tradizione e contemporaneità.

"Thrum"

Le sue opere giocano costantemente sul confine tra opposti, morbidezza e rigidità, leggerezza e peso, ordine e spontaneità. Le ampie increspature creano giochi di luce e ombra che cambiano con il punto di osservazione, trasformando ogni lavoro in un'esperienza dinamica. È una pittura senza immagini, ma ricca di presenza fisica e di energia tattile.

"Vesper"

Il lavoro di Susan Maddux si inserisce in una tradizione artistica che negli ultimi decenni ha rivalutato il tessile come linguaggio dell'arte contemporanea, superando la storica distinzione tra arti maggiori e arti applicate. Il tessuto non è più soltanto un materiale funzionale, ma un mezzo espressivo dotato di una propria forza concettuale ed estetica. Le sue pieghe raccontano il tempo, la memoria e il gesto ripetuto dell'artista, trasformando un materiale quotidiano in una presenza monumentale. È un'astrazione che continua a parlare dell'essere umano attraverso ciò che lo avvolge e lo protegge.

"Facet"

Osservare le opere di Susan Maddux significa comprendere come la materia possa diventare narrazione. Le sue opere costruiscono spazi di contemplazione in cui ogni piega sembra custodire una memoria, un movimento, un frammento di storia.
Il profilo Instagram di Maddux dove ammirare altre splendide opere.

La luce, il cielo e lo spazio si fondono nel centesimo Skyspace di James Turrell

Da oltre mezzo secolo James Turrell invita il pubblico a osservare ciò che normalmente dà per scontato: la luce e il cielo. L'artista statunitense, tra i maggiori esponenti della Light and Space, il movimento artistico legato all'op art, al minimalismo e all'astrazione geometrica, ha costruito un'intera carriera dimostrando che la percezione non è un processo passivo, ma un'esperienza in continua trasformazione. Con l'inaugurazione del suo centesimo Skyspace, intitolato As Seen Below, realizzato presso il museo ARoS di Aarhus, in Danimarca, Turrell raggiunge un traguardo simbolico che conferma la straordinaria influenza della sua ricerca artistica.

Gli Skyspace rappresentano il nucleo più celebre della sua produzione. La loro struttura è apparentemente semplice, un ambiente architettonico, spesso a pianta circolare o quadrata, con un'apertura sul soffitto, un oculus, che incornicia una porzione di cielo. Eppure, ciò che accade all'interno di questi spazi sfugge a qualsiasi definizione convenzionale. Il cielo, normalmente percepito come infinito e distante, sembra trasformarsi in una superficie bidimensionale, quasi un dipinto sospeso. La luce naturale muta continuamente con il passare delle ore, delle stagioni e delle condizioni atmosferiche, rendendo ogni visita irripetibile.

L'installazione di Aarhus è tra le più monumentali della serie. La grande cupola, alta oltre quindici metri e larga circa quaranta, accoglie i visitatori in un ambiente essenziale dove ogni elemento superfluo è eliminato. L'attenzione si concentra esclusivamente sulla relazione tra spazio, luce e percezione. In particolari momenti della giornata, sofisticati sistemi di illuminazione artificiale producono delicati cambiamenti cromatici che dialogano con la luce naturale. Durante questi cambiamenti di colori, l'oculus può temporaneamente chiudersi e lo spazio viene immerso in intense tonalità luminose che modificano radicalmente il modo in cui il cielo e l'architettura vengono percepiti.

Turrell non utilizza la luce per illuminare le opere, la luce è l'opera stessa. Le sue installazioni mettono in discussione il nostro rapporto con la visione, dimostrando che ciò che vediamo è profondamente influenzato dal contesto e dai meccanismi del nostro cervello. Le variazioni cromatiche alterano la percezione dei colori del cielo, facendo apparire l'azzurro più intenso, il tramonto più vibrante o il buio della notte sorprendentemente materico.

Questa ricerca affonda le proprie radici tanto nell'arte quanto nella scienza. Formatosi in psicologia percettiva e affascinato dall'astronomia e dall'aviazione, Turrell esplora da decenni il modo in cui la mente costruisce la realtà visiva. Le sue opere creano le condizioni affinché lo spettatore diventi consapevole del proprio stesso atto di vedere.

La dimensione poetica delle nuvole fantasma di Vorja Sánchez

L'arte ha spesso la capacità di trasformare il quotidiano in qualcosa di straordinario, rivelando ciò che normalmente sfugge al nostro sguardo. È proprio su questo confine tra realtà e immaginazione che si muove il lavoro dell'artista e illustratore spagnolo Vorja Sánchez, autore di immagini in cui il paesaggio naturale diventa il palcoscenico di apparizioni enigmatiche. Le sue fotografie, apparentemente serene, vengono invase da immense figure spettrali che sembrano precipitare dal cielo, avvolte in lunghe appendici filamentose che sfiorano montagne, campi e foreste.

L'intervento artistico di Sánchez nasce dalla combinazione tra fotografia e illustrazione digitale. Le sue creature non sono semplici mostri o fantasmi, ma presenze sospese tra il mondo organico e quello onirico. Ricordano nuvole, ma danno vita a un immaginario che attinge tanto al surrealismo quanto alla fantascienza. La loro monumentalità contrasta con la tranquillità dei paesaggi: escursionisti, greggi o animali continuano le proprie attività ignari delle gigantesche entità che incombono sopra di loro.

Questa scelta narrativa produce un effetto sorprendente. Lo spettatore osserva dapprima una fotografia familiare, poi scopre lentamente l'intruso, una forma impossibile che altera completamente la percezione della scena. È un procedimento che richiama il concetto del perturbante, teorizzato da Sigmund Freud, qualcosa che appare al tempo stesso estraneo e incredibilmente familiare, capace di suscitare meraviglia e inquietudine.

Le opere di Sánchez, visibili anche sul suo profilo Instagram, dialogano anche con una lunga tradizione artistica. Dai paesaggi visionari di Hieronymus Bosch alle atmosfere metafisiche di Giorgio de Chirico, fino alle creature fantastiche della cultura contemporanea, il suo lavoro dimostra come il paesaggio possa diventare il luogo privilegiato dell'immaginazione. Tuttavia, anziché rappresentare mondi completamente inventati, l'artista interviene sulla realtà, suggerendo che il fantastico possa celarsi proprio dietro ciò che osserviamo ogni giorno.

Vorja Sánchez dimostra come fotografia e illustrazione possano fondersi in un linguaggio capace di sorprendere e far sognare. Nei suoi paesaggi abitati da nuvole fantasma, la realtà non viene negata, ma arricchita da una dimensione poetica che invita a guardare il mondo con occhi diversi, immaginando che, appena oltre l'orizzonte o nascosta tra le nuvole, possa ancora esistere una forma di meraviglia.

Le creature vegetali di Molly Devlin

L'arte di Molly Devlin si colloca in una tradizione che unisce naturalismo e immaginazione. Le sue creature mantengono l'eleganza anatomica degli animali reali, ma vengono costruite attraverso una complessa stratificazione di elementi botanici. Foglie, petali, radici, spore e funghi non sono semplici decorazioni, bensì le componenti stesse dell'organismo raffigurato. Ne deriva una visione poetica della natura come sistema integrato, in cui ogni essere vivente è parte di una rete più ampia di relazioni e trasformazioni.

Nelle opere dell'artista, ammirabili anche su Instagram, il confine tra il regno animale e quello vegetale sembra dissolversi completamente. I suoi ritratti fantastici, realizzati con delicati strati di acrilico, danno vita a creature che sembrano emerse da una fiaba antica o da un sogno boschivo. Sono immagini che evocano meraviglia e contemplazione, invitando lo spettatore a entrare in un universo dove ogni forma di vita è intimamente connessa alle altre.

L'atmosfera eterea dei suoi dipinti richiama il mondo delle leggende folkloriche e delle antiche credenze animistiche, secondo cui alberi, animali e paesaggi possiedono una propria anima. Tuttavia, dietro la dimensione fantastica si nasconde anche una riflessione profondamente contemporanea. Le opere di Devlin sembrano infatti suggerire una visione ecologica del mondo, ricordandoci che la distinzione tra specie e habitat è meno netta di quanto spesso immaginiamo. Ogni organismo dipende da una moltitudine di altri esseri viventi, dai microrganismi del suolo agli insetti impollinatori, fino alle piante che sostengono interi ecosistemi.

Particolarmente affascinante è il modo in cui l'artista rappresenta il ciclo della vita. Nel piccolo topo costruito attraverso le diverse fasi di sviluppo del tarassaco, per esempio, il fiore diventa una metafora del tempo: germoglia, fiorisce, si trasforma in una sfera di semi e infine si disperde nel vento. L'animale non è più soltanto una creatura individuale, ma il simbolo di una continua metamorfosi che accomuna ogni forma di esistenza.

La tecnica pittorica contribuisce a rafforzare questa sensazione di fragilità e meraviglia. I colori morbidi, le trasparenze e le sovrapposizioni creano figure che sembrano sospese tra presenza e dissolvenza, come apparizioni temporanee in una foresta incantata. È un linguaggio visivo che invita alla lentezza e all'osservazione attenta, qualità sempre più rare in una cultura dominata dalla velocità delle immagini digitali.

Le opere di Molly Devlin ci ricordano che la natura non è una semplice collezione di specie separate, ma un intreccio complesso di relazioni, cicli e trasformazioni. Attraverso il linguaggio della fantasia, l'artista riesce a comunicare una verità profonda. Ogni essere vivente è parte di una storia comune e la bellezza del mondo nasce proprio da questa straordinaria interdipendenza.

La memoria della materia tra gli acquerelli e le cianotipie di Annalise Neil

"Auguries"

La cianotipia, inventata nel XIX secolo e celebre per il suo intenso colore blu, trova nelle mani di Annalise Neil una nuova interpretazione. Negli ultimi anni l'artista, che abbiamo già conosciuto, ha iniziato a sperimentare con pigmenti ricavati da elementi naturali come foglie di fragola selvatica, galle di quercia, foglie di nespolo e castagno. Questi ingredienti modificano le tonalità tradizionali della tecnica, introducendo sfumature seppia, marroni e violacee che evocano antichi erbari, mappe consumate dal tempo o reperti provenienti da collezioni scientifiche ottocentesche.

"Littoral Talisman"

Neil afferma che la materia è memoria e la memoria è un mezzo espressivo, questa l'essenza di una ricerca che si muove tra arte, natura e tempo. Le sue opere, realizzate principalmente attraverso la tecnica della cianotipia e successivamente arricchite con acquerelli e tinture naturali, sembrano emergere da un archivio segreto del mondo vivente, dove animali, funghi, conchiglie, piante e reperti geologici diventano tracce di una storia più ampia che riguarda il rapporto tra l'essere umano e l'ambiente.

"Loophole"

Il processo creativo di Neil è profondamente radicato nell'osservazione diretta del paesaggio. Le sue opere nascono da lunghe camminate, dall'esplorazione di boschi, prati e ambienti naturali, come viene raccontato da Colossal. Fotografa uccelli, mammiferi, insetti, piante e formazioni geologiche, catturando quello che definisce un breve frammento della loro esistenza. Queste immagini vengono poi trasformate in negativi e successivamente in cianotipie, fissando sulla carta una presenza che appartiene già al passato. In questo passaggio la fotografia diventa memoria e la memoria si trasforma in materia visibile.

"Gravity"

Le tavole lignee intagliate a mano che sostengono le sue cianotipie rafforzano ulteriormente questa connessione con il mondo materiale. Il supporto stesso diventa parte integrante dell'opera, ricordando che ogni elemento naturale conserva le tracce della propria storia. Un tronco d'albero, una foglia o una pietra non sono semplici oggetti, ma archivi di tempo e di esperienze.

"Chaparral Coronet"

L'arte di Annalise Neil, che si può ammirare anche sul suo profilo Instagram, invita così a rallentare lo sguardo e a riscoprire la meraviglia dell'osservazione. Attraverso la cianotipia, la memoria della materia riaffiora e si offre alla contemplazione, suggerendo una relazione più consapevole e rispettosa con il mondo che ci circonda.

Bellissimi esemplari naturali di carta di Marisa Aragón Ware

Marisa Aragón Ware è cresciuta vagando per le foreste delle Montagne Rocciose del Colorado, dove si è divertita nella diversità della natura e con l'aiuto di suo padre, uno scienziato, ha imparato a conoscere fiori selvatici, funghi, uccelli e altro ancora. Nel corso del tempo, il suo fascino per le forme organiche si è fatto strada in una pratica artistica in evoluzione.

Con sede a Boulder, la Ware continua a trascorrere del tempo nei boschi, prendendo ispirazione dalla flora e dalla fauna. Attraverso un meticoloso processo di taglio e marcatura della carta, crea curve delicate per imitare il volume di foglie o ossa e per definire piume, ali di insetti e petali con vene e bordi precisi.

La carta è diventata il mezzo preferito dall'artista perché trova bellezza e stupore in un materiale che usiamo spesso nella vita quotidiana senza darle importanza. E spiega:"La carta è profondamente familiare: tutti l'hanno maneggiata, ci hanno scritto delle liste della spesa, l'hanno piegata, l'hanno strappata, l'hanno gettata. Poiché è un materiale così quotidiano, c'è qualcosa di particolarmente potente nel trasformarlo in qualcosa di inaspettato".

La biodiversità e l'interdipendenza degli ecosistemi sono temi in corso in tutto il lavoro di Ware, e lei è particolarmente interessata alla teoria della biofilia. L'ipotesi postula che gli esseri umani cerchino intrinsecamente connessioni con la natura su più livelli.
L'artista afferma: "Il nostro bisogno di natura si estende ben oltre la sopravvivenza fisica; nutre anche l'immaginazione, la spiritualità e il nostro senso di significato. Attraverso le mie sculture, spero di creare momenti di meraviglia che aiutino gli spettatori a riconnettersi con quell'antica relazione e forse a sentirsi più costretti a proteggerla".

Precisione e controllo sono fondamentali nella pratica dell'artista, ma recentemente ha privilegiato la sperimentazione e un allentamento del suo approccio.
L'artista, spiega: "Mi sono chiesta cosa potrebbe essere stato perso nel processo di diventare tecnicamente abile e come posso tornare alla mentalità di un principiante senza abbandonare le abilità che ho passato decenni a sviluppare. Quella domanda mi ha portato a incorporare nuovi processi e materiali, compresi i cianotipi, permettendomi di lavorare in modi meno controllati, più intuitivi e più esplorativi".

Il lavoro di Marisa Aragón Ware è incluso nella mostra Common Waters presso la Arch Enemy Arts, che ha aperto il 5 giugno. Si possono ammirare altre opere dell'artista sul suo sito web e sulla sua pagina Instagram.