David Spriggs trasforma fogli dipinti in sculture della percezione

Che cosa accade quando un dipinto smette di avere una superficie? È una delle domande al centro della ricerca di David Spriggs, artista britannico-canadese nato a Manchester nel 1978 e trasferitosi in Canada nel 1992. La sua opera si colloca in una zona di confine tra pittura, scultura, installazione e percezione ottica. Immagini apparentemente solide vengono costruite attraverso una successione di piani trasparenti, diventando forme che esistono nello spazio senza possedere una vera massa continua.

Spriggs sviluppa la sua tecnica caratteristica nel 1999, quando comincia a distribuire immagini dipinte su numerosi supporti trasparenti disposti a distanza l'uno dall'altro. L'artista ha definito questa ricerca una prospettiva a strati, l'immagine viene scomposta in una serie di sezioni successive e poi ricomposta attraverso la loro precisa sovrapposizione nello spazio. Da un determinato punto di osservazione, i frammenti si allineano e producono l'illusione di una forma unica e tridimensionale; spostandosi lateralmente, invece, l'illusione si disgrega e diventano visibili i singoli piani.

È un procedimento che capovolge una delle funzioni tradizionali della pittura. La prospettiva occidentale ha generalmente utilizzato una superficie bidimensionale per creare l'illusione della profondità; Spriggs compie l'operazione inversa, porta fisicamente l'immagine nella profondità reale. Il volume non viene dipinto sulla superficie, ma costruito attraverso una sequenza di superfici.
La caratteristica più importante delle opere di Spriggs è quindi anche quella che rende impossibile riprodurle completamente in una fotografia. Una fotografia registra un particolare punto di vista; l'opera, invece, è concepita per cambiare insieme allo spettatore.

Muovendosi intorno alla struttura, il visitatore vede i pigmenti allinearsi, sovrapporsi e poi separarsi. Una forma può apparire improvvisamente compatta per trasformarsi pochi istanti dopo in una serie di linee, macchie e intervalli sospesi. L'immagine non è dunque qualcosa di completamente preesistente all'osservatore, si manifesta attraverso la relazione fra i piani, la luce, lo spazio e il movimento del corpo.

In questo senso, l'opera di Spriggs appartiene anche a una storia più ampia dell'arte della percezione. L'artista richiama prospettiva rinascimentale, Cubismo, Futurismo, Costruttivismo e le ricerche sul rapporto fra luce e spazio, ma utilizza questi precedenti per arrivare a una situazione particolare: non rappresentare semplicemente il movimento, bensì fare del movimento dello spettatore una componente dell'opera.
Il paradosso è che queste sculture sono fisicamente molto concrete. I supporti possono essere costituiti da plexiglass o altri materiali trasparenti, sui quali vengono applicati pittura, disegni, fotografie o immagini digitali. Eppure ciò che lo spettatore percepisce può sembrare quasi incorporeo, una nube, un vortice, un'onda, un'esplosione di luce o una figura sospesa nel vuoto.

La forza della ricerca di David Spriggs sta infine in una contraddizione apparentemente semplice, le sue opere sono costruite con molti elementi bidimensionali, ma il risultato è un'immagine tridimensionale; sono materiali e tangibili, ma sembrano immateriali; possono apparire compiute da un punto di vista e dissolversi da quello successivo. Una scultura della percezione.

I murales di Emmy Star Brown che trasformano la città con forme organiche colorate e spontaneità

A Chicago, dove l'arte murale ha una tradizione profondamente radicata nel paesaggio urbano, il lavoro di Emmy Star Brown si distingue per un linguaggio immediatamente riconoscibile, forme organiche, linee sinuose, lettering geometrico e campiture cromatiche intense si incontrano sulle superfici degli edifici creando composizioni dinamiche, quasi prive di un punto privilegiato di osservazione.

Al centro della sua ricerca personale c'è il concetto di Inner Child, il bambino interiore, inteso come dimensione legata alla spontaneità, al gioco, all'immaginazione e alla libertà creativa, come evidenzia Colossal. L'artista, presente anche su Instagram, descrive la propria pratica contemporanea proprio come un percorso verso quelle qualità che l'età adulta tende a disciplinare o reprimere. La riduzione dell'immagine a linee, forme, contrasti e colori diventa così una maniera per recuperare una creatività più istintiva.

Questa componente ludica è evidente nel carattere delle sue composizioni. Le forme sembrano muoversi sulla superficie senza seguire necessariamente una narrazione figurativa tradizionale: curve, segmenti, campiture e segni calligrafici si incastrano e si sovrappongono, producendo una sorta di grammatica visiva astratta. Il risultato non è però casuale. Dietro l'apparente spontaneità si riconosce la disciplina di una formazione nel design e nella comunicazione visiva, che permette all'artista di controllare gerarchie, contrasti e rapporti spaziali.

L'opera di Emmy Star Brown può essere letta come un incontro fra design e pittura, gioco e disciplina, spazio pubblico e ricerca personale. Il muro non è più soltanto un supporto sul quale applicare un'immagine, ma diventa una superficie da attraversare visivamente, un campo nel quale il colore può modificare la percezione dell'architettura. Proprio la scelta di partire da elementi apparentemente elementari, una linea, una curva, una forma, un contrasto cromatico, dimostra come un linguaggio visivo essenziale possa acquisire una notevole complessità quando viene portato alla scala della città.

Natura e simmetria si fondono nei dipinti di Roberta Gentry

"Nine Holly Berries" di Roberta Gentry

Nelle opere di Roberta Gentry il colore non è semplicemente un elemento decorativo, ma diventa una vera esperienza sensoriale. Aranci intensi, blu profondi e tavolozze volutamente limitate costruiscono composizioni astratte nelle quali forme biomorfiche sembrano emergere da una struttura rigorosa. La pittura nasce così dall'incontro fra due impulsi apparentemente opposti: l'ordine geometrico e l'imprevedibilità della natura.

"Two Tails" di Roberta Gentry

Gentry lavora prevalentemente con strati successivi di acrilico diluito, come si può apprezzare sul suo profilo Instagram. Il colore viene accumulato lentamente sulla superficie, creando gradienti delicati e variazioni quasi impercettibili. La griglia sottostante organizza la composizione, mentre le forme organiche sembrano continuamente minacciarne la regolarità. È una tensione che ricorda il modo in cui la natura cresce dentro e intorno alle strutture costruite dall'uomo.

"Ten Oranges" di Roberta Gentry

Questa ricerca trova una particolare espressione nella serie Blood Orange, ispirata anche agli straordinari arazzi fiamminghi cinquecenteschi de La Dame à la licorne. I sei arazzi raffigurano una nobildonna affiancata da un leone e da un unicorno e sono tradizionalmente associati ai cinque sensi, vista, udito, olfatto, gusto e tatto, mentre il sesto, À Mon Seul Désir, rimane volutamente più enigmatico. Proprio questa ambiguità ha alimentato interpretazioni che vanno oltre la semplice allegoria dei sensi.

"The Rose Lattice" di Roberta Gentry

Gentry riprende alcuni elementi riconoscibili degli arazzi, l'abito di velluto, l'organo, gli alberi d'arancio, ma li sottrae alla loro funzione narrativa per trasformarli in forme quasi archetipiche. L'immagine storica diventa così una materia da scomporre e ricomporre, proprio come accade con i ricordi e con i miti.

"The Mirror" di Roberta Gentry

I sensi ci forniscono informazioni sul mondo, ma siamo noi a organizzarle, selezionarle e trasformarle in significato. La pittura di Gentry sembra mettere in scena proprio questo processo, la griglia rappresenta il tentativo umano di dare ordine all'esperienza, mentre le forme organiche ricordano che la realtà sfugge continuamente alle nostre classificazioni.

Il telescopio spaziale Hubble da costruire coi mattoncini LEGO

Il telescopio spaziale Hubble di LEGO

Il telescopio spaziale Hubble è molto più di uno strumento scientifico è una delle macchine che hanno cambiato il nostro modo di immaginare l'universo. Dal 1990 Hubble ha prodotto immagini spettacolari di nebulose, galassie, ammassi stellari e fenomeni cosmici lontanissimi, contribuendo a trasformare l'astronomia in un'esperienza visiva accessibile a milioni di persone.

Il telescopio spaziale Hubble di LEGO

Il set LEGO Icons Telescopio spaziale Hubble porta questa straordinaria storia scientifica nel mondo della costruzione. Con i suoi 1.252 pezzi, il modello propone una piccola esplorazione della sua complessa architettura. I pannelli esterni possono essere rimossi per mostrare il vano strumenti, mentre giroscopi e specchi primari e secondari ricordano che dietro quelle immagini apparentemente semplici si nasconde una macchina estremamente sofisticata.

Il telescopio spaziale Hubble di LEGO

Pannelli solari e antenne orientabili, portello apribile e supporto espositivo completano una replica pensata tanto per essere costruita quanto per essere osservata. La presenza della piccola figura di astronauta introduce inoltre un elemento di scala che permette di percepire meglio le dimensioni imponenti dell'originale.

Il telescopio spaziale Hubble di LEGO

Il fascino del modello deriva soprattutto dal particolare rapporto tra scienza, memoria e cultura popolare. Hubble è diventato infatti una sorta di ambasciatore dell'astronomia moderna, le sue fotografie hanno reso familiari oggetti che nessun essere umano potrebbe vedere direttamente e hanno trasformato concetti scientifici complessi in immagini capaci di suscitare meraviglia.

Art Society di Mitch Wallace quando il collezionismo d'arte diventa un gioco da tavolo

Art Society di Mitch Wallace

Che cosa significa costruire una grande collezione d'arte? Non soltanto possedere opere prestigiose, ma saperle scegliere, valorizzare e soprattutto mettere in relazione tra loro. È proprio questa idea a essere trasformata in meccanica ludica da Art Society, il gioco da tavolo ideato da Mitch Wallace, pubblicato da Mighty Boards e distribuito in Italia da Giochi Uniti.

Il giocatore veste i panni di un collezionista impegnato a creare la quadreria più prestigiosa e armoniosa possibile. Il cuore della partita è un'asta a offerte segrete. Ogni partecipante decide quanto è disposto a spendere per conquistare le opere disponibili, sapendo però che il quadro rimasto escluso finirà nel museo e contribuirà a modificare il valore delle diverse categorie di dipinti. È un meccanismo elegante perché trasforma ogni acquisto in una scelta a doppio rischio, spendere troppo potrebbe compromettere le mosse successive, ma rinunciare all'opera desiderata potrebbe consegnarla proprio all'avversario.

Art Society di Mitch Wallace

Una volta acquistate, le opere devono essere disposte sulla propria parete seguendo precise regole di adiacenza. La disposizione diventa così importante quanto il collezionismo, cornici uguali producono bonus, mentre dipinti dello stesso genere collocati uno accanto all'altro possono annullare il punteggio. La parete si trasforma progressivamente in una sorta di puzzle artistico nel quale ogni nuova tessera condiziona quelle successive. Le tessere aggiungono un ulteriore livello di divertimento in quanto riproducono, in forma ironica e parodistica, celebri opere della storia dell'arte, trasformando il riconoscimento dei riferimenti in una sorta di caccia culturale.

Art Society di Mitch Wallace

Alla fine, la quadreria migliore non sarà necessariamente quella con i dipinti più belli, ma quella in cui estetica e strategia riusciranno a trovare il loro fragile equilibrio.
Art Society ci dimostra che arte e gioco da tavolo possono dialogare sorprendentemente bene perché collezionare, scegliere, accostare e attribuire valore alle immagini sono, in fondo, attività ludiche molto prima di diventare attività economiche o culturali.

Centrotavola di Ferragosto 2026

Tra pochi giorni è Ferragosto e quindi ho dovuto pensare al Centrotavola. Non volevo rifarlo a tema mare come le altre volte, così mi è venuto in mente di usare la paperina perchè forse non tutti lo sanno, ma alla foce del torrente Letimbro, il fiume che scorre nel cuore di Savona dalla collina del Santuario della Madonna della Misericordia sino al mare, c'è un'oasi faunistica di uccelli migratori. Sono così belli da vedere soprattutto quando le "mamme" portano i cucciolini a fare delle nuotare tra le piccole isole di verde e di canne.

Occorrente

Coroncina di vimini diametro cm. 22
Papera di ceramica
Nastro di juta beige lungo cm. 90; alto cm.2,5
Fiori azzurri 4
Mazzolini di fiorellini bianco-azzurri 12
Rametti color mattone 15
Rametti di foglioline 4
Colla a caldo

Esecuzione

Guardando la paperina, che mi teneva d'occhio, ho iniziato a passare il nastro di juta attorno alla coroncina e con la colla a caldo l'ho fissata ben tesa.
Ho poi iniziato a dividere i mazzetti di fiorellini bianco-azzurri e i rametti di foglioline color mattone. Con la colla a caldo ho iniziato a fissarli attorno alla corona assieme ai rametti di foglioline e ai 4 fiori azzurri lasciando uno spazio per inserirvi la papera.
Grazie all'amico, tra le altre cose fotografo, Tiziano Caviglia, che ancora una volta disponibile e con la consueta bravura, ha scattato la foto al mio Centrotavola di Ferragosto, posso farvi vedere il mio nuovo lavoro.
Ricordo a voi tutti che se lo gradite potete trovare altre idee per realizzare un vostro centrotavola cliccando su Album Fotografico, ma anche sulle mie pagine Instagram e Pinterest dove troverete tutti i Centrotavola da me realizzati per le varie occasioni.
Auguro a Tiziano e a tutti voi di trascorrere un divertente e auguriamoci non rovente, Ferragosto con chiunque vogliate e mi permetto ancora di ricordarvi di stare all'ombra, vestirvi leggeri, ma con stile e di bere! Acqua s'intende!

Il vetro prende vita sotto le cloche di Amber Cowan

"Swans in Delphite and Rosalene"

Nelle opere di Amber Cowan, il vetro sembra perdere la propria natura rigida e trasformarsi in qualcosa di organico, quasi vivente. Per le sue elaborate composizioni realizzate con la tecnica del flameworking, l'artista statunitense, che abbiamo imparato ad apprezzare in tutti questi anni, compone piccoli universi fantastici nei quali fiori, arabeschi, foglie, animali, filigrane e forme decorative si accumulano fino a creare scenari che sembrano usciti da una fiaba.

"Pheasants in Shell"

Una delle caratteristiche più interessanti del lavoro di Cowan è però la provenienza della materia. L'artista utilizza soprattutto scarti industriali, oggetti antichi, frammenti e vetri fuori produzione. Sono materiali che normalmente appartengono alla categoria degli avanzi, destinati a essere dimenticati o smaltiti. Cowan li recupera invece per trasformarli in qualcosa di completamente nuovo.

"Bunny Resting in Chocolate"

Questa scelta introduce nella sua arte una dimensione quasi archeologica, come racconta Colossal. I colori e le forme che utilizza appartengono spesso a produzioni del passato e non sono più disponibili sul mercato. Ogni frammento porta quindi con sé una piccola storia industriale, è il residuo di un oggetto che un tempo aveva una funzione, un'estetica e un pubblico. Nelle mani dell'artista, quella storia non viene cancellata, ma incorporata in una nuova narrazione.

"Strawberries and Mandarin in Sky"

Il flameworking permette a Cowan di modellare il vetro direttamente alla fiamma, intervenendo con estrema precisione sulla materia. È un processo lento e manuale che richiede controllo, pazienza e una profonda conoscenza delle reazioni del materiale. Gli elementi vengono poi assemblati in composizioni densissime, nelle quali è spesso difficile distinguere il singolo frammento dall'insieme.

"Summer Cloche in Jade"

Recentemente Cowan ha portato questa ricerca anche verso cloche e coupe, contenitori tradizionalmente associati alla conservazione e all'esposizione di oggetti preziosi. Sotto queste campane di vetro le sue composizioni assumono quasi l'aspetto di esemplari da museo o di reliquie provenienti da un mondo immaginario. La cloche diventa contemporaneamente una teca, una protezione e una cornice narrativa. Come si può ammirare sul suo profilo Instagram.

"Bittersweet and Lemon"

C'è dunque qualcosa di profondamente poetico nel lavoro di Amber Cowan, ciò che era stato prodotto in serie e poi scartato viene trasformato in un'opera irripetibile. Un frammento dimenticato può diventare un fiore, un fiore può diventare parte di un giardino impossibile e quel giardino può, a sua volta, diventare il frammento di una storia ancora più grande.