La luce, il cielo e lo spazio si fondono nel centesimo Skyspace di James Turrell

Da oltre mezzo secolo James Turrell invita il pubblico a osservare ciò che normalmente dà per scontato: la luce e il cielo. L'artista statunitense, tra i maggiori esponenti della Light and Space, il movimento artistico legato all'op art, al minimalismo e all'astrazione geometrica, ha costruito un'intera carriera dimostrando che la percezione non è un processo passivo, ma un'esperienza in continua trasformazione. Con l'inaugurazione del suo centesimo Skyspace, intitolato As Seen Below, realizzato presso il museo ARoS di Aarhus, in Danimarca, Turrell raggiunge un traguardo simbolico che conferma la straordinaria influenza della sua ricerca artistica.

Gli Skyspace rappresentano il nucleo più celebre della sua produzione. La loro struttura è apparentemente semplice, un ambiente architettonico, spesso a pianta circolare o quadrata, con un'apertura sul soffitto, un oculus, che incornicia una porzione di cielo. Eppure, ciò che accade all'interno di questi spazi sfugge a qualsiasi definizione convenzionale. Il cielo, normalmente percepito come infinito e distante, sembra trasformarsi in una superficie bidimensionale, quasi un dipinto sospeso. La luce naturale muta continuamente con il passare delle ore, delle stagioni e delle condizioni atmosferiche, rendendo ogni visita irripetibile.

L'installazione di Aarhus è tra le più monumentali della serie. La grande cupola, alta oltre quindici metri e larga circa quaranta, accoglie i visitatori in un ambiente essenziale dove ogni elemento superfluo è eliminato. L'attenzione si concentra esclusivamente sulla relazione tra spazio, luce e percezione. In particolari momenti della giornata, sofisticati sistemi di illuminazione artificiale producono delicati cambiamenti cromatici che dialogano con la luce naturale. Durante questi cambiamenti di colori, l'oculus può temporaneamente chiudersi e lo spazio viene immerso in intense tonalità luminose che modificano radicalmente il modo in cui il cielo e l'architettura vengono percepiti.

Turrell non utilizza la luce per illuminare le opere, la luce è l'opera stessa. Le sue installazioni mettono in discussione il nostro rapporto con la visione, dimostrando che ciò che vediamo è profondamente influenzato dal contesto e dai meccanismi del nostro cervello. Le variazioni cromatiche alterano la percezione dei colori del cielo, facendo apparire l'azzurro più intenso, il tramonto più vibrante o il buio della notte sorprendentemente materico.

Questa ricerca affonda le proprie radici tanto nell'arte quanto nella scienza. Formatosi in psicologia percettiva e affascinato dall'astronomia e dall'aviazione, Turrell esplora da decenni il modo in cui la mente costruisce la realtà visiva. Le sue opere creano le condizioni affinché lo spettatore diventi consapevole del proprio stesso atto di vedere.

La dimensione poetica delle nuvole fantasma di Vorja Sánchez

L'arte ha spesso la capacità di trasformare il quotidiano in qualcosa di straordinario, rivelando ciò che normalmente sfugge al nostro sguardo. È proprio su questo confine tra realtà e immaginazione che si muove il lavoro dell'artista e illustratore spagnolo Vorja Sánchez, autore di immagini in cui il paesaggio naturale diventa il palcoscenico di apparizioni enigmatiche. Le sue fotografie, apparentemente serene, vengono invase da immense figure spettrali che sembrano precipitare dal cielo, avvolte in lunghe appendici filamentose che sfiorano montagne, campi e foreste.

L'intervento artistico di Sánchez nasce dalla combinazione tra fotografia e illustrazione digitale. Le sue creature non sono semplici mostri o fantasmi, ma presenze sospese tra il mondo organico e quello onirico. Ricordano nuvole, ma danno vita a un immaginario che attinge tanto al surrealismo quanto alla fantascienza. La loro monumentalità contrasta con la tranquillità dei paesaggi: escursionisti, greggi o animali continuano le proprie attività ignari delle gigantesche entità che incombono sopra di loro.

Questa scelta narrativa produce un effetto sorprendente. Lo spettatore osserva dapprima una fotografia familiare, poi scopre lentamente l'intruso, una forma impossibile che altera completamente la percezione della scena. È un procedimento che richiama il concetto del perturbante, teorizzato da Sigmund Freud, qualcosa che appare al tempo stesso estraneo e incredibilmente familiare, capace di suscitare meraviglia e inquietudine.

Le opere di Sánchez, visibili anche sul suo profilo Instagram, dialogano anche con una lunga tradizione artistica. Dai paesaggi visionari di Hieronymus Bosch alle atmosfere metafisiche di Giorgio de Chirico, fino alle creature fantastiche della cultura contemporanea, il suo lavoro dimostra come il paesaggio possa diventare il luogo privilegiato dell'immaginazione. Tuttavia, anziché rappresentare mondi completamente inventati, l'artista interviene sulla realtà, suggerendo che il fantastico possa celarsi proprio dietro ciò che osserviamo ogni giorno.

Vorja Sánchez dimostra come fotografia e illustrazione possano fondersi in un linguaggio capace di sorprendere e far sognare. Nei suoi paesaggi abitati da nuvole fantasma, la realtà non viene negata, ma arricchita da una dimensione poetica che invita a guardare il mondo con occhi diversi, immaginando che, appena oltre l'orizzonte o nascosta tra le nuvole, possa ancora esistere una forma di meraviglia.

Le creature vegetali di Molly Devlin

L'arte di Molly Devlin si colloca in una tradizione che unisce naturalismo e immaginazione. Le sue creature mantengono l'eleganza anatomica degli animali reali, ma vengono costruite attraverso una complessa stratificazione di elementi botanici. Foglie, petali, radici, spore e funghi non sono semplici decorazioni, bensì le componenti stesse dell'organismo raffigurato. Ne deriva una visione poetica della natura come sistema integrato, in cui ogni essere vivente è parte di una rete più ampia di relazioni e trasformazioni.

Nelle opere dell'artista, ammirabili anche su Instagram, il confine tra il regno animale e quello vegetale sembra dissolversi completamente. I suoi ritratti fantastici, realizzati con delicati strati di acrilico, danno vita a creature che sembrano emerse da una fiaba antica o da un sogno boschivo. Sono immagini che evocano meraviglia e contemplazione, invitando lo spettatore a entrare in un universo dove ogni forma di vita è intimamente connessa alle altre.

L'atmosfera eterea dei suoi dipinti richiama il mondo delle leggende folkloriche e delle antiche credenze animistiche, secondo cui alberi, animali e paesaggi possiedono una propria anima. Tuttavia, dietro la dimensione fantastica si nasconde anche una riflessione profondamente contemporanea. Le opere di Devlin sembrano infatti suggerire una visione ecologica del mondo, ricordandoci che la distinzione tra specie e habitat è meno netta di quanto spesso immaginiamo. Ogni organismo dipende da una moltitudine di altri esseri viventi, dai microrganismi del suolo agli insetti impollinatori, fino alle piante che sostengono interi ecosistemi.

Particolarmente affascinante è il modo in cui l'artista rappresenta il ciclo della vita. Nel piccolo topo costruito attraverso le diverse fasi di sviluppo del tarassaco, per esempio, il fiore diventa una metafora del tempo: germoglia, fiorisce, si trasforma in una sfera di semi e infine si disperde nel vento. L'animale non è più soltanto una creatura individuale, ma il simbolo di una continua metamorfosi che accomuna ogni forma di esistenza.

La tecnica pittorica contribuisce a rafforzare questa sensazione di fragilità e meraviglia. I colori morbidi, le trasparenze e le sovrapposizioni creano figure che sembrano sospese tra presenza e dissolvenza, come apparizioni temporanee in una foresta incantata. È un linguaggio visivo che invita alla lentezza e all'osservazione attenta, qualità sempre più rare in una cultura dominata dalla velocità delle immagini digitali.

Le opere di Molly Devlin ci ricordano che la natura non è una semplice collezione di specie separate, ma un intreccio complesso di relazioni, cicli e trasformazioni. Attraverso il linguaggio della fantasia, l'artista riesce a comunicare una verità profonda. Ogni essere vivente è parte di una storia comune e la bellezza del mondo nasce proprio da questa straordinaria interdipendenza.

La memoria della materia tra gli acquerelli e le cianotipie di Annalise Neil

"Auguries"

La cianotipia, inventata nel XIX secolo e celebre per il suo intenso colore blu, trova nelle mani di Annalise Neil una nuova interpretazione. Negli ultimi anni l'artista, che abbiamo già conosciuto, ha iniziato a sperimentare con pigmenti ricavati da elementi naturali come foglie di fragola selvatica, galle di quercia, foglie di nespolo e castagno. Questi ingredienti modificano le tonalità tradizionali della tecnica, introducendo sfumature seppia, marroni e violacee che evocano antichi erbari, mappe consumate dal tempo o reperti provenienti da collezioni scientifiche ottocentesche.

"Littoral Talisman"

Neil afferma che la materia è memoria e la memoria è un mezzo espressivo, questa l'essenza di una ricerca che si muove tra arte, natura e tempo. Le sue opere, realizzate principalmente attraverso la tecnica della cianotipia e successivamente arricchite con acquerelli e tinture naturali, sembrano emergere da un archivio segreto del mondo vivente, dove animali, funghi, conchiglie, piante e reperti geologici diventano tracce di una storia più ampia che riguarda il rapporto tra l'essere umano e l'ambiente.

"Loophole"

Il processo creativo di Neil è profondamente radicato nell'osservazione diretta del paesaggio. Le sue opere nascono da lunghe camminate, dall'esplorazione di boschi, prati e ambienti naturali, come viene raccontato da Colossal. Fotografa uccelli, mammiferi, insetti, piante e formazioni geologiche, catturando quello che definisce un breve frammento della loro esistenza. Queste immagini vengono poi trasformate in negativi e successivamente in cianotipie, fissando sulla carta una presenza che appartiene già al passato. In questo passaggio la fotografia diventa memoria e la memoria si trasforma in materia visibile.

"Gravity"

Le tavole lignee intagliate a mano che sostengono le sue cianotipie rafforzano ulteriormente questa connessione con il mondo materiale. Il supporto stesso diventa parte integrante dell'opera, ricordando che ogni elemento naturale conserva le tracce della propria storia. Un tronco d'albero, una foglia o una pietra non sono semplici oggetti, ma archivi di tempo e di esperienze.

"Chaparral Coronet"

L'arte di Annalise Neil, che si può ammirare anche sul suo profilo Instagram, invita così a rallentare lo sguardo e a riscoprire la meraviglia dell'osservazione. Attraverso la cianotipia, la memoria della materia riaffiora e si offre alla contemplazione, suggerendo una relazione più consapevole e rispettosa con il mondo che ci circonda.

Bellissimi esemplari naturali di carta di Marisa Aragón Ware

Marisa Aragón Ware è cresciuta vagando per le foreste delle Montagne Rocciose del Colorado, dove si è divertita nella diversità della natura e con l'aiuto di suo padre, uno scienziato, ha imparato a conoscere fiori selvatici, funghi, uccelli e altro ancora. Nel corso del tempo, il suo fascino per le forme organiche si è fatto strada in una pratica artistica in evoluzione.

Con sede a Boulder, la Ware continua a trascorrere del tempo nei boschi, prendendo ispirazione dalla flora e dalla fauna. Attraverso un meticoloso processo di taglio e marcatura della carta, crea curve delicate per imitare il volume di foglie o ossa e per definire piume, ali di insetti e petali con vene e bordi precisi.

La carta è diventata il mezzo preferito dall'artista perché trova bellezza e stupore in un materiale che usiamo spesso nella vita quotidiana senza darle importanza. E spiega:"La carta è profondamente familiare: tutti l'hanno maneggiata, ci hanno scritto delle liste della spesa, l'hanno piegata, l'hanno strappata, l'hanno gettata. Poiché è un materiale così quotidiano, c'è qualcosa di particolarmente potente nel trasformarlo in qualcosa di inaspettato".

La biodiversità e l'interdipendenza degli ecosistemi sono temi in corso in tutto il lavoro di Ware, e lei è particolarmente interessata alla teoria della biofilia. L'ipotesi postula che gli esseri umani cerchino intrinsecamente connessioni con la natura su più livelli.
L'artista afferma: "Il nostro bisogno di natura si estende ben oltre la sopravvivenza fisica; nutre anche l'immaginazione, la spiritualità e il nostro senso di significato. Attraverso le mie sculture, spero di creare momenti di meraviglia che aiutino gli spettatori a riconnettersi con quell'antica relazione e forse a sentirsi più costretti a proteggerla".

Precisione e controllo sono fondamentali nella pratica dell'artista, ma recentemente ha privilegiato la sperimentazione e un allentamento del suo approccio.
L'artista, spiega: "Mi sono chiesta cosa potrebbe essere stato perso nel processo di diventare tecnicamente abile e come posso tornare alla mentalità di un principiante senza abbandonare le abilità che ho passato decenni a sviluppare. Quella domanda mi ha portato a incorporare nuovi processi e materiali, compresi i cianotipi, permettendomi di lavorare in modi meno controllati, più intuitivi e più esplorativi".

Il lavoro di Marisa Aragón Ware è incluso nella mostra Common Waters presso la Arch Enemy Arts, che ha aperto il 5 giugno. Si possono ammirare altre opere dell'artista sul suo sito web e sulla sua pagina Instagram.

La Sagrada Família di LEGO rappresenta l'incontro tra architettura, fede, arte e collezionismo

L'universo LEGO ha sempre celebrato le grandi opere dell'ingegno umano, ma con il set numero 21065 dedicato alla Sagrada Família raggiunge una nuova dimensione. Con ben 12.060 pezzi, questa straordinaria riproduzione della celebre basilica progettata da Antoni Gaudí entra di diritto tra i più grandi set LEGO mai realizzati e uno dei progetti più ambiziosi nella storia dell'azienda danese.

La scelta della basilica minore di Barcellona non è casuale. L'edificio rappresenta una delle opere architettoniche più iconiche e affascinanti del mondo moderno quest'anno si celebra il centenario della morte di Gaudí, Iniziata nel 1882, dall'idea del libraio Josep Maria Bocabella ispirato dal sacerdote Josep Manyanet i Vives, il Tempio Espiatorio della Sacra Famiglia incarna la visione rivoluzionaria di Antoni Gaudí, capace di fondere natura, geometria, simbolismo religioso e innovazione tecnica in un linguaggio architettonico unico. Riprodurre un'opera tanto complessa con semplici mattoncini era una sfida enorme, affrontata dai designer LEGO attraverso tecniche costruttive sofisticate e un'attenzione quasi maniacale ai dettagli.

Il percorso di assemblaggio ripercorre idealmente la storia stessa della costruzione reale. Si parte dalla cripta e dall'abside, per poi passare alla Facciata della Natività, l'unica completata sotto la direzione diretta di Gaudí. Successivamente prendono forma le navate interne, le sagrestie e le grandi facciate monumentali, fino alle spettacolari torri che dominano il profilo della basilica e che hanno reso celebre lo skyline di Barcellona.

Il significato simbolico delle 18 torri della basilica rappresenta i dodici Apostoli, i quattro agli Evangelisti, la Vergine Maria e la più alta di tutte dedicata a Gesù Cristo La torre di Gesù, la cui corona è stata collocata sulla sommità alla fine di febbraio, si erge dal centro della chiesa come una montagna di pietra, intenzionalmente più alta delle torri circostanti ma comunque leggermente più bassa della collina di Montjuïc. Un segno di umiltà voluto da Gaudí che garantiva che l'opera umana non avrebbe mai superato la creazione di Dio. La sua costruzione è stata un'impresa architettonica e tecnologica vinta solo nel XXI secolo. Per costruire una torre così di pietra capace di resiste al vento e rimanere sufficientemente leggera da essere sostenuta dalle fondamenta originali di Gaudí, è stato utilizzato un sistema di costruzione in pietra tensionata, che combina pietra e acciaio, un metodo di costruzione in cui cavi d'acciaio vengono inseriti attraverso pannelli di pietra. Il risultato è stupefacente.

Particolarmente impressionante è la resa delle vetrate policrome, uno degli elementi più suggestivi dell'edificio originale, ottenute coi mattoncini LEGO. Grazie a speciali componenti traslucidi, il modello riesce a evocare gli straordinari giochi di luce che trasformano gli interni della basilica in una sorta di foresta luminosa di pietra e colori. Anche le forme organiche, le colonne ramificate e le decorazioni scultoree tipiche di Gaudí sono state reinterpretate con sorprendente fedeltà.

Una volta completata, la costruzione raggiunge dimensioni notevoli. 62 centimetri di altezza, 47 di larghezza e 39 di profondità. Più che un semplice gioco, si tratta di una vera opera da esposizione, destinata a diventare il pezzo forte di molte collezioni.
L'arrivo sul mercato di questo capolavoro dell'arte europea e dell'ingegno LEGO è previsto per il 1° novembre. Costruire la Sagrada Família mattoncino dopo mattoncino sarà come completare il sogno di Gaudí, trasformare un'idea visionaria in una realtà concreta, attraverso pazienza, creatività e attenzione per ogni singolo dettaglio.

Le lampade in fibra Abacá tessute a mano di Mirei Monticelli

La designer filippina e milanese Mirei Monticelli crea apparecchi di illuminazione biomorfici tra scultura e utilità. Ondeggiando verso l'esterno e brillando dall'interno, le opere dell'artista sembrano vive, danzando tranquillamente ovunque si trovino o siano appese.

Queste strutture gesticolari e biodegradabili sono realizzate col tessuto Banaca, un tessuto a mano in Abacá, una fibra che cresce abbondante nelle Filippine.
Nel suo studio, nella provincia di Bicol all'estremità sud-orientale di Luzon, l'artista lavora direttamente con una comunità di tessitori: "Abbiamo sviluppato il materiale insieme nel tempo, quindi non è solo approvvigionamento, ma una relazione".

Raccogliere la fibra di Abacá è stato a lungo un lavoro comune. Dalla raccolta degli steli torreggianti della pianta selvatica, spogliarli strato per strato, l'essiccazione al sole dei fasci di filo annodato e dalla tessitura a mano dei fili in tessuti funzionali, la necessità della connessione umana ha sempre fatto parte del processo.

Il termine Banaca, che è stato coniato dalla Monticelli, combina elementi di design moderni con una tecnica del patrimonio che è stata tramandata per secoli. La sovversione contemporanea dell'artista di un materiale così profondamente radicato nella cultura filippina enfatizza ulteriormente la presenza metamorfica e dinamica delle opere. L'artista afferma:"Il ritmo umano è ciò che dà al materiale il suo carattere, ed è anche il motivo per cui ogni pezzo si sente vivo quando è acceso".

La pratica della Monticelli incorpora anche tecniche che riecheggiano la costruzione e la moda dei capi. L'artista ha condiviso che molti dei suoi metodi sono stati appresi anche da sua madre, una stilista. Il drappeggio, la costruzione del volume e la creazione di forme sono presenti nelle sue lampade, sottolineando un'essenza corporea all'interno delle loro forme in aumento.

Il mese scorso, l'artista ha presentato un'installazione intitolata "Pleasure Garden" alla Milano Design Week e spesso collabora con interior designer, partner dell'ospitalità e studi di architettura per creare spazi coinvolgenti.
Si può trovare molto altro su questa eccellente artista, sulla sua pagina Instagram.