Blooms le decorazioni floreali per adulti di Play-Doh

Per oltre settant'anni il Play-Doh di Hasbro è stato sinonimo di creatività infantile, un materiale capace di trasformare l'immaginazione dei bambini in forme, animali e piccoli mondi colorati. Oggi, però, il celebre composto modellabile apre un nuovo capitolo della sua storia rivolgendosi agli adulti con Blooms by Play-Doh, una linea di kit che permette di realizzare eleganti composizioni floreali decorative. È un cambiamento che riflette una tendenza sempre più diffusa, riscoprire il valore del lavoro manuale come strumento di benessere, concentrazione ed espressione personale.

L'idea nasce dalla consapevolezza che la creatività non appartiene soltanto all'infanzia. Anzi, nell'età adulta può diventare un prezioso antidoto alla frenesia quotidiana. Modellare, plasmare e costruire con le proprie mani favorisce uno stato di rilassamento simile alla meditazione che riduce lo stress.

La collezione, come ci mostra My Modern Met, comprende quattro diversi kit pensati per realizzare mazzi di fiori dall'aspetto sorprendentemente realistico. I set più completi consentono di creare fino a venti fiori grazie a strumenti specifici per modellare petali, steli e fogliame, oltre a una particolare pasta profumata ai fiori e a uno spray finale che preserva la forma delle creazioni. I kit più piccoli, invece, offrono tutto il necessario per realizzare composizioni più compatte, accompagnate da istruzioni dettagliate che rendono l'esperienza accessibile anche ai principianti.

L'interesse di questa iniziativa va oltre il semplice hobby. Negli ultimi anni il mercato del cosiddetto creative wellness è cresciuto rapidamente, alimentato dal desiderio di dedicare tempo ad attività manuali come il ricamo, la ceramica, il modellismo, la calligrafia o la pittura. In un'epoca dominata dagli schermi, lavorare con materiali fisici restituisce una dimensione tattile che molti avevano dimenticato.

Anche il design domestico entra in gioco. I bouquet realizzati con Play-Doh non sono pensati come semplici giocattoli, ma come piccoli oggetti decorativi destinati a durare nel tempo, trasformando un'attività creativa in un elemento d'arredo. È un modo originale per coniugare artigianato, decorazione e soddisfazione personale, senza il timore che i fiori appassiscano dopo pochi giorni.

I tessuti come sculture nelle opere di Susan Maddux

"Mantle"

Esistono artisti che dipingono sulla tela, e altri che trasformano la tela stessa nell'opera. È il caso di Susan Maddux che partendo dalla propria esperienza di designer tessile e da una profonda eredità familiare legata all'arte, ha sviluppato un linguaggio espressivo in cui pittura, scultura e tessuto si fondono in un'unica forma. Le sue creazioni sembrano abiti sospesi nel tempo, superfici che abbandonano la bidimensionalità per acquisire volume, ritmo e presenza fisica.

"Flourish"

L'elemento distintivo del suo lavoro è l'uso della tela piegata, ripiegata e modellata fino a creare grandi composizioni astratte che evocano drappeggi, mantelli e antichi kimono. Non si tratta di semplici richiami estetici. Maddux lascia emergere nella materia una memoria culturale che si manifesta attraverso il gesto e la forma. Le pieghe diventano così un linguaggio silenzioso, capace di raccontare il rapporto tra identità, tradizione e contemporaneità.

"Thrum"

Le sue opere giocano costantemente sul confine tra opposti, morbidezza e rigidità, leggerezza e peso, ordine e spontaneità. Le ampie increspature creano giochi di luce e ombra che cambiano con il punto di osservazione, trasformando ogni lavoro in un'esperienza dinamica. È una pittura senza immagini, ma ricca di presenza fisica e di energia tattile.

"Vesper"

Il lavoro di Susan Maddux si inserisce in una tradizione artistica che negli ultimi decenni ha rivalutato il tessile come linguaggio dell'arte contemporanea, superando la storica distinzione tra arti maggiori e arti applicate. Il tessuto non è più soltanto un materiale funzionale, ma un mezzo espressivo dotato di una propria forza concettuale ed estetica. Le sue pieghe raccontano il tempo, la memoria e il gesto ripetuto dell'artista, trasformando un materiale quotidiano in una presenza monumentale. È un'astrazione che continua a parlare dell'essere umano attraverso ciò che lo avvolge e lo protegge.

"Facet"

Osservare le opere di Susan Maddux significa comprendere come la materia possa diventare narrazione. Le sue opere costruiscono spazi di contemplazione in cui ogni piega sembra custodire una memoria, un movimento, un frammento di storia.
Il profilo Instagram di Maddux dove ammirare altre splendide opere.

La luce, il cielo e lo spazio si fondono nel centesimo Skyspace di James Turrell

Da oltre mezzo secolo James Turrell invita il pubblico a osservare ciò che normalmente dà per scontato: la luce e il cielo. L'artista statunitense, tra i maggiori esponenti della Light and Space, il movimento artistico legato all'op art, al minimalismo e all'astrazione geometrica, ha costruito un'intera carriera dimostrando che la percezione non è un processo passivo, ma un'esperienza in continua trasformazione. Con l'inaugurazione del suo centesimo Skyspace, intitolato As Seen Below, realizzato presso il museo ARoS di Aarhus, in Danimarca, Turrell raggiunge un traguardo simbolico che conferma la straordinaria influenza della sua ricerca artistica.

Gli Skyspace rappresentano il nucleo più celebre della sua produzione. La loro struttura è apparentemente semplice, un ambiente architettonico, spesso a pianta circolare o quadrata, con un'apertura sul soffitto, un oculus, che incornicia una porzione di cielo. Eppure, ciò che accade all'interno di questi spazi sfugge a qualsiasi definizione convenzionale. Il cielo, normalmente percepito come infinito e distante, sembra trasformarsi in una superficie bidimensionale, quasi un dipinto sospeso. La luce naturale muta continuamente con il passare delle ore, delle stagioni e delle condizioni atmosferiche, rendendo ogni visita irripetibile.

L'installazione di Aarhus è tra le più monumentali della serie. La grande cupola, alta oltre quindici metri e larga circa quaranta, accoglie i visitatori in un ambiente essenziale dove ogni elemento superfluo è eliminato. L'attenzione si concentra esclusivamente sulla relazione tra spazio, luce e percezione. In particolari momenti della giornata, sofisticati sistemi di illuminazione artificiale producono delicati cambiamenti cromatici che dialogano con la luce naturale. Durante questi cambiamenti di colori, l'oculus può temporaneamente chiudersi e lo spazio viene immerso in intense tonalità luminose che modificano radicalmente il modo in cui il cielo e l'architettura vengono percepiti.

Turrell non utilizza la luce per illuminare le opere, la luce è l'opera stessa. Le sue installazioni mettono in discussione il nostro rapporto con la visione, dimostrando che ciò che vediamo è profondamente influenzato dal contesto e dai meccanismi del nostro cervello. Le variazioni cromatiche alterano la percezione dei colori del cielo, facendo apparire l'azzurro più intenso, il tramonto più vibrante o il buio della notte sorprendentemente materico.

Questa ricerca affonda le proprie radici tanto nell'arte quanto nella scienza. Formatosi in psicologia percettiva e affascinato dall'astronomia e dall'aviazione, Turrell esplora da decenni il modo in cui la mente costruisce la realtà visiva. Le sue opere creano le condizioni affinché lo spettatore diventi consapevole del proprio stesso atto di vedere.

La dimensione poetica delle nuvole fantasma di Vorja Sánchez

L'arte ha spesso la capacità di trasformare il quotidiano in qualcosa di straordinario, rivelando ciò che normalmente sfugge al nostro sguardo. È proprio su questo confine tra realtà e immaginazione che si muove il lavoro dell'artista e illustratore spagnolo Vorja Sánchez, autore di immagini in cui il paesaggio naturale diventa il palcoscenico di apparizioni enigmatiche. Le sue fotografie, apparentemente serene, vengono invase da immense figure spettrali che sembrano precipitare dal cielo, avvolte in lunghe appendici filamentose che sfiorano montagne, campi e foreste.

L'intervento artistico di Sánchez nasce dalla combinazione tra fotografia e illustrazione digitale. Le sue creature non sono semplici mostri o fantasmi, ma presenze sospese tra il mondo organico e quello onirico. Ricordano nuvole, ma danno vita a un immaginario che attinge tanto al surrealismo quanto alla fantascienza. La loro monumentalità contrasta con la tranquillità dei paesaggi: escursionisti, greggi o animali continuano le proprie attività ignari delle gigantesche entità che incombono sopra di loro.

Questa scelta narrativa produce un effetto sorprendente. Lo spettatore osserva dapprima una fotografia familiare, poi scopre lentamente l'intruso, una forma impossibile che altera completamente la percezione della scena. È un procedimento che richiama il concetto del perturbante, teorizzato da Sigmund Freud, qualcosa che appare al tempo stesso estraneo e incredibilmente familiare, capace di suscitare meraviglia e inquietudine.

Le opere di Sánchez, visibili anche sul suo profilo Instagram, dialogano anche con una lunga tradizione artistica. Dai paesaggi visionari di Hieronymus Bosch alle atmosfere metafisiche di Giorgio de Chirico, fino alle creature fantastiche della cultura contemporanea, il suo lavoro dimostra come il paesaggio possa diventare il luogo privilegiato dell'immaginazione. Tuttavia, anziché rappresentare mondi completamente inventati, l'artista interviene sulla realtà, suggerendo che il fantastico possa celarsi proprio dietro ciò che osserviamo ogni giorno.

Vorja Sánchez dimostra come fotografia e illustrazione possano fondersi in un linguaggio capace di sorprendere e far sognare. Nei suoi paesaggi abitati da nuvole fantasma, la realtà non viene negata, ma arricchita da una dimensione poetica che invita a guardare il mondo con occhi diversi, immaginando che, appena oltre l'orizzonte o nascosta tra le nuvole, possa ancora esistere una forma di meraviglia.

Le creature vegetali di Molly Devlin

L'arte di Molly Devlin si colloca in una tradizione che unisce naturalismo e immaginazione. Le sue creature mantengono l'eleganza anatomica degli animali reali, ma vengono costruite attraverso una complessa stratificazione di elementi botanici. Foglie, petali, radici, spore e funghi non sono semplici decorazioni, bensì le componenti stesse dell'organismo raffigurato. Ne deriva una visione poetica della natura come sistema integrato, in cui ogni essere vivente è parte di una rete più ampia di relazioni e trasformazioni.

Nelle opere dell'artista, ammirabili anche su Instagram, il confine tra il regno animale e quello vegetale sembra dissolversi completamente. I suoi ritratti fantastici, realizzati con delicati strati di acrilico, danno vita a creature che sembrano emerse da una fiaba antica o da un sogno boschivo. Sono immagini che evocano meraviglia e contemplazione, invitando lo spettatore a entrare in un universo dove ogni forma di vita è intimamente connessa alle altre.

L'atmosfera eterea dei suoi dipinti richiama il mondo delle leggende folkloriche e delle antiche credenze animistiche, secondo cui alberi, animali e paesaggi possiedono una propria anima. Tuttavia, dietro la dimensione fantastica si nasconde anche una riflessione profondamente contemporanea. Le opere di Devlin sembrano infatti suggerire una visione ecologica del mondo, ricordandoci che la distinzione tra specie e habitat è meno netta di quanto spesso immaginiamo. Ogni organismo dipende da una moltitudine di altri esseri viventi, dai microrganismi del suolo agli insetti impollinatori, fino alle piante che sostengono interi ecosistemi.

Particolarmente affascinante è il modo in cui l'artista rappresenta il ciclo della vita. Nel piccolo topo costruito attraverso le diverse fasi di sviluppo del tarassaco, per esempio, il fiore diventa una metafora del tempo: germoglia, fiorisce, si trasforma in una sfera di semi e infine si disperde nel vento. L'animale non è più soltanto una creatura individuale, ma il simbolo di una continua metamorfosi che accomuna ogni forma di esistenza.

La tecnica pittorica contribuisce a rafforzare questa sensazione di fragilità e meraviglia. I colori morbidi, le trasparenze e le sovrapposizioni creano figure che sembrano sospese tra presenza e dissolvenza, come apparizioni temporanee in una foresta incantata. È un linguaggio visivo che invita alla lentezza e all'osservazione attenta, qualità sempre più rare in una cultura dominata dalla velocità delle immagini digitali.

Le opere di Molly Devlin ci ricordano che la natura non è una semplice collezione di specie separate, ma un intreccio complesso di relazioni, cicli e trasformazioni. Attraverso il linguaggio della fantasia, l'artista riesce a comunicare una verità profonda. Ogni essere vivente è parte di una storia comune e la bellezza del mondo nasce proprio da questa straordinaria interdipendenza.

La memoria della materia tra gli acquerelli e le cianotipie di Annalise Neil

"Auguries"

La cianotipia, inventata nel XIX secolo e celebre per il suo intenso colore blu, trova nelle mani di Annalise Neil una nuova interpretazione. Negli ultimi anni l'artista, che abbiamo già conosciuto, ha iniziato a sperimentare con pigmenti ricavati da elementi naturali come foglie di fragola selvatica, galle di quercia, foglie di nespolo e castagno. Questi ingredienti modificano le tonalità tradizionali della tecnica, introducendo sfumature seppia, marroni e violacee che evocano antichi erbari, mappe consumate dal tempo o reperti provenienti da collezioni scientifiche ottocentesche.

"Littoral Talisman"

Neil afferma che la materia è memoria e la memoria è un mezzo espressivo, questa l'essenza di una ricerca che si muove tra arte, natura e tempo. Le sue opere, realizzate principalmente attraverso la tecnica della cianotipia e successivamente arricchite con acquerelli e tinture naturali, sembrano emergere da un archivio segreto del mondo vivente, dove animali, funghi, conchiglie, piante e reperti geologici diventano tracce di una storia più ampia che riguarda il rapporto tra l'essere umano e l'ambiente.

"Loophole"

Il processo creativo di Neil è profondamente radicato nell'osservazione diretta del paesaggio. Le sue opere nascono da lunghe camminate, dall'esplorazione di boschi, prati e ambienti naturali, come viene raccontato da Colossal. Fotografa uccelli, mammiferi, insetti, piante e formazioni geologiche, catturando quello che definisce un breve frammento della loro esistenza. Queste immagini vengono poi trasformate in negativi e successivamente in cianotipie, fissando sulla carta una presenza che appartiene già al passato. In questo passaggio la fotografia diventa memoria e la memoria si trasforma in materia visibile.

"Gravity"

Le tavole lignee intagliate a mano che sostengono le sue cianotipie rafforzano ulteriormente questa connessione con il mondo materiale. Il supporto stesso diventa parte integrante dell'opera, ricordando che ogni elemento naturale conserva le tracce della propria storia. Un tronco d'albero, una foglia o una pietra non sono semplici oggetti, ma archivi di tempo e di esperienze.

"Chaparral Coronet"

L'arte di Annalise Neil, che si può ammirare anche sul suo profilo Instagram, invita così a rallentare lo sguardo e a riscoprire la meraviglia dell'osservazione. Attraverso la cianotipia, la memoria della materia riaffiora e si offre alla contemplazione, suggerendo una relazione più consapevole e rispettosa con il mondo che ci circonda.

Bellissimi esemplari naturali di carta di Marisa Aragón Ware

Marisa Aragón Ware è cresciuta vagando per le foreste delle Montagne Rocciose del Colorado, dove si è divertita nella diversità della natura e con l'aiuto di suo padre, uno scienziato, ha imparato a conoscere fiori selvatici, funghi, uccelli e altro ancora. Nel corso del tempo, il suo fascino per le forme organiche si è fatto strada in una pratica artistica in evoluzione.

Con sede a Boulder, la Ware continua a trascorrere del tempo nei boschi, prendendo ispirazione dalla flora e dalla fauna. Attraverso un meticoloso processo di taglio e marcatura della carta, crea curve delicate per imitare il volume di foglie o ossa e per definire piume, ali di insetti e petali con vene e bordi precisi.

La carta è diventata il mezzo preferito dall'artista perché trova bellezza e stupore in un materiale che usiamo spesso nella vita quotidiana senza darle importanza. E spiega:"La carta è profondamente familiare: tutti l'hanno maneggiata, ci hanno scritto delle liste della spesa, l'hanno piegata, l'hanno strappata, l'hanno gettata. Poiché è un materiale così quotidiano, c'è qualcosa di particolarmente potente nel trasformarlo in qualcosa di inaspettato".

La biodiversità e l'interdipendenza degli ecosistemi sono temi in corso in tutto il lavoro di Ware, e lei è particolarmente interessata alla teoria della biofilia. L'ipotesi postula che gli esseri umani cerchino intrinsecamente connessioni con la natura su più livelli.
L'artista afferma: "Il nostro bisogno di natura si estende ben oltre la sopravvivenza fisica; nutre anche l'immaginazione, la spiritualità e il nostro senso di significato. Attraverso le mie sculture, spero di creare momenti di meraviglia che aiutino gli spettatori a riconnettersi con quell'antica relazione e forse a sentirsi più costretti a proteggerla".

Precisione e controllo sono fondamentali nella pratica dell'artista, ma recentemente ha privilegiato la sperimentazione e un allentamento del suo approccio.
L'artista, spiega: "Mi sono chiesta cosa potrebbe essere stato perso nel processo di diventare tecnicamente abile e come posso tornare alla mentalità di un principiante senza abbandonare le abilità che ho passato decenni a sviluppare. Quella domanda mi ha portato a incorporare nuovi processi e materiali, compresi i cianotipi, permettendomi di lavorare in modi meno controllati, più intuitivi e più esplorativi".

Il lavoro di Marisa Aragón Ware è incluso nella mostra Common Waters presso la Arch Enemy Arts, che ha aperto il 5 giugno. Si possono ammirare altre opere dell'artista sul suo sito web e sulla sua pagina Instagram.