Benjamin Sack è influenzato dalla cartografia storica e dai disegni architettonici. Molti dei suoi disegni in bianco e nero evocano incisioni rese popolari nella Londra del XVII secolo. L'artista aggiunge poi elaborati bordi metallici che suggeriscono antiche cornici dorate, ma le composizioni si intrecciano con un tocco contemporaneo.
Ogni opera, dettagliata su larga scala, prende spunto dai luoghi che Sack visita mentre è a bordo della nave da crociera King Neptune, della Holland America Line, su cui viaggia intorno al mondo in cambio di lezioni e conferenze per gli ospiti e su cui crea le sua arte.
Le sue suggestioni non derivano soltanto dai luoghi visitati attraverso il suo peregrinare da un continente all'altro, ma anche lo stesso mare è stato fonte di ispirazione sia durante le traversate nelle regioni più estreme del nostro pianeta sia nelle giornate in cui il lento cullare delle onde rilassa la mente e lo spirito.
Il minimalismo è un pilastro dei disegni di Kamwei Fong. Apprezzando la calma che segue il lavoro in solitudine, Fong ha spesso dato priorità all'autonomia creativa e all'introspezione.
Attraverso la sua arte, Kamwei Fong cattura l'essenza pura e semplice dei gatti, invitando gli spettatori a riflettere sulla bellezza della semplicità e sulla libertà di vivere in modo autentico e senza complicazioni.
Fong è attratto dalla natura dei gatti. Che siano estroversi e giocosi o curiosi e timidi, i compagni artigliati apprezzano veramente vivere le loro vite come desiderano, incarnando uno spirito affascinante che ispira l'artista volta dopo volta.
Le sue opere non solo rappresentano i felini in modo unico, ma offrono anche una prospettiva preziosa sulla vita e sulla ricerca di pace e serenità attraverso l'arte e la contemplazione.
Lea Woo, con sede tra Shanghai e Hangzhou, è un'artista che incentra le sue illustrazioni sulle donne.
Le protagoniste sono infatti immortalate in momenti di tranquillo affetto e ammirazione, contrastando uno stile vintage con soggetti moderni.
Anche la tavolozza dei colori usati dall'artista, sono in gran parte morbidi con macchie di tonalità più audaci: "Il rosso, un tono usato frequentemente nelle mie opere, rappresenta il coraggio e l'audacia e il verde una stretta relazione con madre natura. Le trame grainy, paper-like, si aggiungono alla sensazione retrò delle scene, che trasmettono una calda tenerezza tra le persone e gli uccelli, i pesci e i gatti che li circondano".
Woo traccia forti distinzioni tra le sue opere personali e le sue commissioni: i recenti collaboratori includono Burberry e The New Yorker. Per quest'ultimo, tende a iniziare con uno schizzo che cattura la direttiva, mentre altri progetti sono più istintivi.
A questo proposito la Woo spiega: "Apro il mio cuore a tutte le possibilità e agli "incidenti" inaspettati. Raccolgo e salvo i miei scarabocchi quotidiani e le foto che ho scattato per un uso futuro. Con meno allestimenti, più arrangiamenti casuali, trovo così divertente combinare liberamente elementi diversi e si sono rivelati armoniosamente insieme alla fine".
Woo ha stampe, cartoline e altre opere nel suo negozio, inoltre si possono seguire i suoi ultimi progetti sulla sua pagina Instagram.
Principalmente lavora su commissioni per clienti come editori e luoghi di ospitalità, ma ha un grande talento per determinare la scala e la portata di un'installazione o di una serie di disegni, anche quando deve collaborare con altri designer.
"Rosmarin"
Kusaite inizia disegnando a mano su carta, concentrandosi sulle linee e le trame di diversi materiali come la grafite e l'inchiostro. A volte, un disegno iniziale può produrre centinaia di versioni derivanti da esperimenti con il colore e lo stile, che spesso generano nuove idee e tecniche per progetti futuri.
"Coffee Plant"
A proposito del suo lavoro, racconta: "Amo passare ore nei negozio d'arte, sentire le superfici di carta diversa e creare connessioni con tutte le informazioni che porto con me sul progetto. Scelgo sempre progetti che mi parlano, in un modo o nell'altro risuonano con il mio punto di vista, la filosofia, e mi sfidano. Scelgo carta e matita o acquerelli, o entrambi, in base alla ricerca e alle informazioni raccolte all'inizio del processo. Inizio a testare diverse combinazioni, colori, linee. Dopo aver fatto abbastanza test su carta, scannerizzo tutto e lo trasferisco in Photoshop, dove inizio a giocare con gli strumenti digitali".
"Lotus Land 2"
La flora si presenta pesantemente nella pratica della Kusaite, formando una base per le commissioni che possono variare notevolmente. Dal disegno fatto a mano alle modifiche digitali, le illustrazioni dell'artista sono spesso tradotte in altri materiali artigianali come piastrelle di ceramica o tessuti, e le piace vedere il lavoro tornare a una presentazione analogica.
Xitan Hotel lobby installation
Recentemente, ha progettato un ampio murale per il Xitan Hotel di Pechino e spiega: "La maggior parte dei miei disegni botanici per il progetto Xitan Hotel è iniziata come disegnata a mano, poi è passata attraverso un processo digitale ed è uscita come una parete della lobby completamente fatta a mano, lunga 21 metri incarnata in smalto vitreo, o anche chiamata tecnica di smalto porcellanato. Alcune parti sono ricamate a mano".
"Lavas Plant"
Kusaite sta attualmente preparando un grande progetto per il Georgia World Congress Center e l'adiacente hotel Signia by Hilton nel centro di Atlanta. Sta anche lavorando ai disegni dei tarocchi africani di Tazama e un libro per bambini che verrà pubblicato nel 2025. Potete ammirare tante altre delicate e meticolose opere di Lina Kusaite su Behance.
Le opere di Rob Strati rappresentano dei disegni elaborati ispirati ai frammenti di piatti rotti e sono un esempio di come l'arte possa nascere dalla casualità e a volte dall'entropia.
Alla fine del 2020 un piatto della defunta madre della moglie dell'artista si è rotto. Strati ha preso spunto da questo incidente domestico per creare una serie di disegni chiamati "Fragmented" ed esplorare le possibilità che possono nascere da oggetti rotti che tuttavia conservano un forte valore sentimentale.
L'idea che le cose rotte possano ancora avere valore e bellezza è un tema molto presente nell'arte contemporanea. Infatti, l'arte non deve necessariamente essere perfetta o intatta, ma può trasformarsi in qualcosa di nuovo e sorprendente anche a seguito di un evento negativo.
In un mondo in cui spesso si cerca la perfezione a tutti i costi, l'arte di Strati ci ricorda che la bellezza può essere trovata anche nella imperfezione e nel disordine. Ci insegna che le cose rotte possono ancora avere valore e significato, e che la creatività può essere liberata anche da oggetti che sembrano privi di utilità.
L'artista David Morrison mette in evidenza la fragilità e la natura fugace della vita attraverso le fresche fioriture della magnolia o di un baccello di semi d'acero riarso.
Con le ombre sottostanti, che possono essere create dalla luce del sole o da una lampada sul soffitto, i disegni di Morrison diventano ingannevolmente realistici, apparendo come materia organica tridimensionale appoggiata su fogli di carta bianchi.
Raffigurando un melograno spaccato o un iris sul punto di schiudersi, le opere a matita colorata riflettono la relazione tra l'intero esemplare e le delicate vene, gli steli e il materiale carnoso responsabili del sostentamento della vita.
L'artista, in una dichiarazione, afferma: "Per me è una ossessione disegnare rami e tronchi d'albero osservandoli attraverso lenti d'ingrandimento. Ciò mi ha permesso di scrutare più a fondo in un mondo sorprendente di forme e motivi astratti. Ho quindi capito la complessità della natura e quanto sia magnifica. Ogni volta che inizio un nuovo disegno, il processo di scoperta ricomincia".
Se volete immergervi in molti altri bellissimi disegni a matita dell'artista potete visitare la sua pagina Instagram dove tra l'altro potrete apprezzare la sua bravura non solo per i fiori, ma anche per la sua capacità di riprodurre dei licheni su un piccolo ramo, deliziosi bonsai ricoperti di bacche rosse, foglie e cortecce.
Inoltre è possibile visitare la Garvey | Simon Gallery, dove David Morrison è rappresentato.
L'artista James Cook utilizza una macchina da scrivere per creare la sua arte.
Le opere spaziano da immagini di edifici e paesaggi a ritratti di animali e celebrità.
Cook usa un assortimento casuale di lettere, numeri e segni di punteggiatura per formare i suoi capolavori, proprio come avviene nell'ASCII art.
Le illustrazioni di Cook, su carta A4, possono richiedere dai quattro ai cinque giorni per essere completate. Ma i suoi ritratti sono ancora più impegnativi.
Per ricreare le curve tende a usare simboli come le parentesi, mentre la chiocciola per l'ombreggiatura in quanto può facilmente coprire un'ampia superficie.
Cook ama completare i suoi disegni all'aperto, dove spesso attira l'attenzione degli spettatori.
La sua collezione comprende oltre 40 macchine da scrivere, molte delle quali gli sono state donate da fan del suo lavoro.
All'interno di piccoli portagioielli o graziose scatole, l'artista canadese-trinidadiano Curtis Talwst Santiago annida scene in miniatura intrise di intimità, e memoria.
I diorami elaborati fanno parte della serie Infinity iniziata nel 2008 e da allora ampliata per includere dozzine di pezzi ricchi di fogliame lussureggiante, caratteristiche architettoniche e minuscole figure conservate nel tempo.
Negli ultimi anni l'artista, nelle sue creazioni, ha fatto riferimento all'infanzia e alla sua vita familiare nelle opere a tecnica mista,
dove è inclusa anche la collezione "Soca in the Suburbs" che incorpora repliche del seminterrato dove abitavano i suoi genitori, completa di moquette a pelo lungo e un'estetica distintamente riconoscibile degli anni '70.
Questi ambienti riflettono sulla necessità di incontri privati e sull'importanza di condividere le storie attraverso le generazioni. E l'artista spiega: "L'dea di "Soca in the Suburbs", è emersa durante il Covid con la chiusura dei locali, i balli in casa e con le discoteche in quarantena. Ho iniziato a pensare ai membri della famiglia che non riuscivo a vedere, e le feste della mia memoria… Inoltre sto anche pensando a cosa voglio trasmettere a mio figlio quando le fotografie non riescono a raccontare tutto. Desidero che abbia un archivio della sua storia familiare, del suo patrimonio culturale. Voglio che sappia da dove viene la sua famiglia, non solo gli antenati ma anche i suoi nonni, e vedere i vestiti che indossavano e quelle polaroid che molti caraibici hanno delle loro attività per adulti in tavernetta".
Alcune delle opere di Santiago sono in mostra nell'ambito di Atlantic World Art Fair fino al 5 maggio.
Si possono vedere altre creazioni di Curtis Talwst Santiago, un artista che con la sua tecnica abbraccia pittura, scultura e disegno sul suo sito web e sulla sua pagina Instagram.
L'illustratore Louis Gibiard ha attirato l'attenzione per i suoi affascinanti disegni realizzati usando penne a sfera.
Louis Gibiard racconta come produce le sue opere d'arte, regalandoci utili suggerimenti per iniziare a disegnare con una penna a sfera.
"Quello che faccio è un tratteggio incrociato chiaro, le linee devono essere abbastanza vicine da creare un'idea di luce naturale, ma non devono sovrapporsi l'una all'altra. Lavoro per strati, per avere la migliore sfumatura possibile, quello che funziona per me è che i primi 5 strati dovrebbero essere eseguiti senza alcuna pressione della punta, solo tratteggi incrociati nelle diverse direzioni. Quindi adatto la velocità, l'angolo e la pressione alla parte su cui stò lavorando. Più velocità equivale a una tonalità chiara perché meno inchiostro ha il tempo di raggiungere la carta, una forte pressione equivale a diminuire le possibilità di avere una finitura liscia, quindi va usata solo alla fine. Lavora sulle luci e poi sulle ombre, in questo modo avrai un maggiore controllo su ciò che disegni, è facile scurire, ma è impossibile schiarire".
L'artista francese Steeven Salvat continua una pratica secolare con le sue illustrazioni a penna e inchiostro.
Le sue fantastiche forme di vita ibride richiamano alla mente grandi disegnatori del passato come Albrecht Dürer e Jean-Auguste-Dominique Ingres che usavano linee precise per creare opere d'arte impeccabili.
L'ultima serie di Steeven Salvat, intitolata Nymphalidae, trae ispirazione da antiche chiavi, vetrate colorate e ali di farfalla.
L'artista usa la sua esperienza per combinare questi diversi elementi in qualcosa di completamente nuovo e affascinante e in una dichiarazione spiega: "I dipinti sono basati su vere specie di farfalle, realizzate in modo da riecheggiare gli elaborati studi entomologi condotti dai naturalisti del passato".
Ogni pezzo è realizzato con penne Rotring e una delicata tavolozza di acquerelli. Salvat macchia anche la carta da acquerello con il tè nero per replicare i colori delle opere d'arte vintage. E aggiunge: "Le illustrazioni includono targhette disegnate a mano dall'aspetto ufficiale che descrivono i nomi scientifici fantasiosi e fittizi di questi organismi ibridati e reinventati".
La sua ultima serie Nymphalidae è in mostra presso la Haven Gallery di Northport, New York, e vi rimarrà sino al 12 settembre 2021.
Si possono ammirare molti altri sorprendenti e affascinanti disegni di Steeven Salvat, un artista appassionato di disegno, natura, scienza e storia, sul suo sito web e sulle sue pagine Instagram e Facebook.
L'artista francese Steeven Salvat unisce storia, scienza e natura nei suoi disegni ad acquerello e inchiostro.
Che si tratti di racchiudere scarabei in armature ornate, ingranaggi rotanti e quadranti antichi o di creare vasti intrecci di flora e fauna, le opere di Salvat applicano squisitamente un velo fantasioso alla fauna selvatica e agli insetti.
Ogni pezzo, che è il risultato di centinaia di ore di minuzioso lavoro al tratto, nasce da studi biologici e incisioni del XVIII secolo, due temi su cui l'artista ritorna per alludere alle preziose qualità del mondo naturale.
La serie Nymphalidae di Salvat sarà in mostra dal 14 agosto al 12 settembre alla Haven Gallery di Northport, New York.
Si possono trovare molti video che descrivono in dettaglio il processo del lavoro di questo brillante artista dell'acquerello e dell'inchiostro, sulla sua pagina Instagram.
Inoltre, si possono acquistare stampe e originali in edizione limitata sul suo sito web.
